Stefano Armanini

FOTOGRAFIA TIMELAPSE

Attrezzature, tecniche e teoria per catturare in immagini lo scorrere del tempo

Ledizioni

2013 Ledizioni LediPublishing

Via Alamanni 11 – 20141 Milano – Italy

www.ledizioni.it

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Stefano Armanini, Fotografia Timelapse. Attrezzature, tecniche e teoria per catturare in immagini lo scorrere del tempo.

ISBN 978-88-6705-118-2

Collana Fai da tech, diretta da Gianluigi Bonanomi

Immagine in copertina: Stefano Armanini

Informazioni sul catalogo e sulle ristampe: www.ledizioni.it

Informazioni sul Libro:

Succede a tutti i fotografi, dagli amatori ai professionisti. Vi imbattete per caso nello spettacolare video di un mutevole panorama mozzafiato, con frenetiche città notturne, inattesi giochi di luce e cieli di nuvole veloci che si tuffano nel tramonto. E vi accorgete che si tratta di fotografie. Centinaia, migliaia di fotografie in sequenza: lo volete fare anche voi. Ma come?

La fotografia timelapse è un nuovo genere di racconto fotografico sospeso tra il mondo delle immagini fisse e il mondo del video. In questa introduzione alle tecniche, alle attrezzature e alla filosofia della fotografia timelapse troverete ciò che vi serve per iniziare a creare il vostro racconto per immagini fisse… in movimento: è sufficiente usare un cavalletto e una reflex? Quanto tempo ci vuole? E quante foto, a che intervalli di tempo? E come si mette insieme il tutto in forma di video?

BIOGRAFIA DELL’AUTORE:

Stefano Armanini è un traduttore professionista prestato alla fotografia, o forse viceversa: un fotografo amatoriale prestato alla traduzione tecnica. Coniugando professione e una passione ventennale per le immagini, fotografa, realizza video e traduce per il settore delle nuove tecnologie hardware, software, foto e video. Qualche termine tradotto da lui lo si trova nei menu delle fotocamere Nikon. Questo è il suo primo eBook. 

Per contattarlo scrivete a stefano@gattomarino.com o lasciate un commento su http://flavors.me/gattomarino

Collana «Fai da tech» - Ledizioni

Introduzione

Un mondo sospeso tra foto e video

Succede a tutti i fotografi, dagli amatori ai professionisti. Vi imbattete per caso in un video sui vulcani islandesi o sulla frenesia di New York dall’alba al tramonto. E vi accorgete che si tratta di fotografie. Centinaia, migliaia di fotografie in sequenza. È bastato un cavalletto e una reflex, vi dite. È quello che fate voi per passione e avete l’attrezzatura adatta. Ed ecco che succede: lo volete fare anche voi. Già, ma è veramente stato sufficiente usare un cavalletto e una reflex? E quanto tempo ci è voluto? E quante foto, a che intervalli di tempo? E in ogni caso, come hanno messo insieme il tutto in forma di video…?

Benvenuti nel mondo del timelapse, un nuovo genere di fotografia (o un nuovo genere di video?) con nuove sfide per i fotografi digitali.

Se consideriamo la velocità dei tempi in cui viviamo, definire il fenomeno timelapse come nuovo potrebbe essere persino fuorviante. I pochi anni trascorsi dai primi timelapse realizzati con comuni fotocamere digitali agli ipertrofici hyperlapse di oggi, sembrano, nemmeno a farlo apposta, essere passati velocemente come dentro un timelapse. I più polemici tra i fotografi parlano già di moda in declino, di novità usa e getta che ha iniziato la parabola discendente. Ma è davvero così? Vogliamo davvero dare retta agli stessi critici che decretavano come inutile la funzionalità video nelle reflex digitali (prima, cioè, della rivoluzione delle DSLR video)? Al contrario, io credo che, proprio come una nuvola in un timelapse, questa tecnica sia in grado di stupire non solo come sfoggio di accessori e tecnica, ma come modo di espressione in sé, prova ne è il numero sempre maggiore di timelapser che vi si dedicano con passione.

imagesCosa sono gli hyperlapse? Sono il gradino evolutivo successivo ai timelapse. Come dice il nome, sono «iper»: utilizzano elaborati ed estesi movimenti della fotocamera tramite binari, bracci mobili o mini-gru e si avvalgono di corposi interventi in post-produzione tramite complessi programmi software per aumentare la sensazione di movimento, aggiungere trucchi ottici ed effetti visivi.

Esistono dozzine di approcci alla fotografia timelapse: in questo eBook ci occuperemo della forma più diffusa, il classico timelapse di panorama con intervalli di scatti di qualche secondo per raccontare una scena davanti a noi, una vallata, una città, un tramonto su un porto di mare. Ma è timelapse anche la sequenza di un cantiere fotografato alcune volte ogni giorno per mesi… o un viso fotografato nella stessa posizione una volta al giorno per anni… Come dicevamo: tempo. E pazienza…

imagesTimelapse e stop-motion sono la stessa cosa? La risposta è no. Il timelapse è una compressione del tempo tramite immagini scattate a intervalli regolari. In altre parole, ciò che cambia nel timelapse è la scena, mentre la fotocamera compie solo il lavoro di catturare ciò che accade scattando in base a intervalli predefiniti e rigorosamente regolari. La tecnica stop-motion (in italiano «a passo uno», ma dirla in italiano sa molto di… secolo scorso) invece è più propriamente un modo di fare cinema di animazione, dove la scena viene preparata, la cinepresa (o fotocamera digitale) scatta un solo fotogramma, quindi si passa a modificare la scena, quando si è pronti si scatta il fotogramma successivo, e così via. Un lavorone, ma diverso sia nella tecnica che nella filosofia rispetto al timelapse.

Il timelapse è oggi diffuso tra fotoamatori, fotografi professionisti, videografi e artisti multimediali perché è qualcosa di più di un semplice video accelerato. Il suo punto di partenza è la fotografia: quello che realizzeremo saranno foto come siamo abituati a fare, guidati dalla passione per fotocamere, obiettivi, tecniche di esposizione, studi delle scene e della luce. Ma finiremo con l’entrare nel mondo dei video aggiungendo all’istantaneità della fotografia il concetto del trascorrere del tempo. Il timelapse non è cinema, nel senso che la sequenza di fotogrammi scattati in serie non racconta una scena nel suo accadere, ma racconta piuttosto un’immagine nel suo divenire aggiungendo la quarta dimensione: il tempo. Il timelapse non crea del semplice movimento, bensì aggiunge profondità assecondando la trasformazione nell’immagine. È come aprire una fotografia fissa e bidimensionale fingendo che sia una scatola per rivelare, tramite la quarta dimensione, il trascorrere del tempo.

Tempo è la parola chiave alla radice della fotografia timelapse, insieme all’altra parola più strettamente imparentata, cioè pazienza. Uscite, preparate la postazione, scattate. E aspettate. 5 minuti, 10 minuti, mezz’ora, un pomeriggio… Ma non illudetevi, non si tratta di stare seduti a leggere un bel libro mentre la vostra fotocamera scatta scatta scatta scatta… Il tutto infatti necessita di dovuta supervisione: dopo 10 minuti di scatti il treppiede sarà esattamente, non un centimetro di differenza, dove l’ho lasciato? Questo filtro graduato sarà adatto anche tra cinque minuti? Sono sufficienti 10 minuti per realizzare un video di 10 secondi? Se preparo questa inquadratura, dove sarà il sole tra mezz’ora? Se da quel sentiero spunta un cinghiale, o peggio, un’orda di ragazzini in gita, avrò tempo di mettere in sicurezza l’attrezzatura?

A chi si rivolge quindi questo eBook? A tutti i curiosi che vogliono tentare una forma nuova di fotografia, a fotoamatori a digiuno di tecniche video e a un pubblico con un’infarinatura base (anche molto, molto base) di tecniche fotografiche.

imagesRealizzare timelapse non è in sé difficile; solo, si compone di molti passaggi. E come ogni cosa composita, per non perdere la bussola è utile scomporla nelle sue fasi fondamentali, che nel nostro caso sono quattro:

-Preparare la postazione davanti al nostro soggetto.

-Impostare i criteri di intervallo tra gli scatti.

-Importare tutto il lavoro in un computer.

-Convertire tutti gli scatti in una sequenza video.

È difficile scegliere un esempio tra i migliaia sul Web capace di distillare gli elementi chiave di un timelapse per suggerirvi cosa è possibile realizzare, fermo restando che le possibilità sono infinite quanto la creatività umana. Qui trovate un breve video realizzato da me con il minimo dell’attrezzatura per DSLR con tanto di errori e suggerimenti per ottenere il massimo già dai vostri primi lavori timelapse. Vi propongo poi questo filmato del giovane (e italiano) Dario Calì, perché racchiude in modo perfetto tecnica, contenuti e voglia di raccontare: inizia come un timelapse quasi «didattico» e termina in una gioia di artifici tecnici hyperlapse:

Brisbane Hyperlapse 2013

Non vi fa venire voglia di provare? Partiamo allora dalle basi e vediamo cosa ci serve per iniziare l’avventura nella fotografia timelapse.

Cosa serve

imagesLe fasce di prezzo indicate sono davvero un’indicazione relativa, più che altro per farvi cadere l’occhio sul simbolo dell’euro e capire in linea di massima il volume di spesa. Ho orientato l’indicazione in:

€ = prezzi «modici» (sotto i 100 €)

€€ = prezzi «moderati» (fino a 300 €)

€€€ = prezzi più corposi (fino a 600 €)

€€€€ = spese impegnative

Per cominciare in piccolo: le fotocamere compatte

Creare timelapse è possibile con fotocamere compatte, a condizione che il produttore le abbia dotate di intervallometro, di cui parleremo qui in dettaglio. Le funzioni di una compatta sono limitate su vari fronti: dalle ottiche solitamente non intercambiabili a funzioni automatiche non personalizzabili, dal limitato numero di scatti alla qualità del video risultante, e così via. Tutto ciò non toglie che i timelapse siano divertenti da realizzare con le fotocamere compatte, che hanno il vantaggio non da poco di convertire direttamente le fotografie nel formato video finale. A questo servono le fotocamere compatte: a fare cose divertenti in tempi rapidi e senza complicazioni.

Fascia di prezzo: tra € e €€

imagesLa fotografia timelapse si basa su scatti a intervalli regolari. Pertanto, uno strumento più affidabile del vostro pollice e del vostro senso del ritmo è fondamentale nel timelapse. In alcune fotocamere l’intervallometro è incorporato. L’uso di un intervallometro esterno aggiunge comunque maggiori funzionalità.

Per continuare in piccolo: gli smartphone

La qualità fotografica degli smartphone è in crescita esponenziale grazie al coinvolgimento di produttori fotografici nella realizzazione delle mini-ottiche per le foto/videocamere integrate. Nonostante non siano ancora in grado di coprire situazioni di illuminazione critiche, gli smartphone possono essere facilmente dotati di intervallometri in forma di applicazioni software (ne troverete numerosi cercando «timelapse», «time-lapse» o «time lapse» nei vari app store) capaci di darvi più libertà di sperimentazione rispetto a una fotocamera compatta. Unica «falla» di questi dispositivi è il ridotto spazio di memorizzazione dei file di immagine.

Fascia di prezzo: €€-€€€€ per gli smartphone; app: gratis o pochi euro

Per sportivi e scavezzacollo: le «action cameras»

Si chiamano action cameras in inglese, cioè videocamere d’avventura. Sono apparecchi impermeabili, resistenti agli urti e applicabili tramite accessori a pressoché qualunque cosa, meglio se in movimento: skateboard, bici, moto, parapendii, voi stessi. Per intenderci, una delle prime foto che appaiono in una ricerca di Google per GoPro, il più famoso produttore di action camera, è quella di un sub con la fotocamera agganciata alla maschera. E non è il posto più strano a cui agganciare una GoPro. Le ridotte dimensioni e l’impiego in situazioni estreme rende queste fotocamere/videocamere ideali per timelapse avventurosi in cui molto spesso il punto di vista è in movimento. Le chiamo fotocamere/videocamere perché a differenza delle DSLR moderne, cioè fotocamere reflex che incorporano funzionalità video, le action cameras sono principalmente videocamere, tendenzialmente automatiche. Le GoPro, ad esempio, hanno una limitata selezione di intervalli, esposizione fissa per ogni foto della sequenza e scattano solo in formato JPEG. Ma ciò che non avete a disposizione rispetto a una reflex viene qui sopperito dalla versatilità in situazioni estreme, sportive, avventurose, rischiose o semplicemente in movimento, sul manubrio della bici, il cruscotto di un’auto, in canoa…

Fascia di prezzo: €€ più altri €-€€ per sbizzarrirvi con gli accessori

Per i lavori di qualità: le reflex digitali

Le reflex digitali (DSLR, Digital Single Lens Reflex) sono lo strumento essenziale che ha portato la fotografia timelapse alla popolarità di cui gode oggi grazie alla loro versatilità, le gamme di prezzo, l’utilizzo di ottiche intercambiabili di qualità e la possibilità di scattare in formato RAW. Poiché sono proprio le reflex digitali a esprimere al meglio le potenzialità del timelapse, mi concentrerò soprattutto su queste nel resto dell’eBook.

Tra i produttori, Nikon ha un certo margine di vantaggio sui concorrenti grazie all’intervallometro incorporato in tutti i modelli attuali che vi consente di provare il brivido del vostro primo timelapse senza… provare il brivido della spesa di un intervallometro esterno.

imagesSe non possedete una DSLR ma volete provare seriamente il timelapse a basso costo potete ricorrere a qualche Nikon non attuale da acquistare usata (perfetta a scopi di timelapse, ma ormai obsoleta per altro), facendo però attenzione a evitare i seguenti modelli, in quanto PRIVI di intervallometro: Nikon D40, D40x, D50, D60, D70, D80, D90, D3000, D3100, D3200, D100, D1. Consultate sempre la documentazione di ogni altro modello per capire se include un intervallometro!

La buona notizia per chi deve scegliere una DSLR per fotografare timelapse è che non vi sono altre caratteristiche discriminanti. Se state pensando alla grandezza del sensore, infatti, dovete considerare che anche le DSLR con sensore di formato APS-C (il formato ridotto, cropped in inglese) generano fotografie con una risoluzione decisamente maggiore di quella del formato video finale che realizzerete. Il formato pieno, tipico delle reflex di fascia professionale, può fare la differenza in condizioni di scarsa luce e riprese notturne o astronomiche (ed è pertanto la scelta principale degli astrofotografi, ad esempio), ma oltre a questo non ha un ruolo determinante nella fotografia timelapse.

imagesIl sensore di formato APS-C viene chiamato in modi differenti da vari produttori: Canon EF-S, Nikon DX, Pentax DA, Sony DT.

Una caratteristica più invitante per noi timelapser è la presenza in alcuni modelli di due slot per schede di memoria. I vantaggi sono numerosi, come vedremo parlando di teoria, tra cui quello di avere il doppio dello spazio a disposizione senza cambiare schede o la possibilità di scattare in formato RAW e di avere una copia pronta in formato JPEG (di cui parleremo qui).

La capacità di scattare in posa B è un altro vantaggio presente in tutte le DSLR, apprezzato dai patiti di astrofotografia (e dei timelapser che, privi di esperienza astrofotografica, vi si avvicineranno spinti dalla voglia di creare timelapse notturni).

Fascia di prezzo: da €€ a €€€€ per modelli non professionali

Gli obiettivi

Gli obiettivi che sceglierete per i vostri timelapse hanno un’importanza rilevante sia dal punto di vista tecnico che artistico. Per loro natura, i timelapse di paesaggio si sposano bene con i grandangolari per catturare paesaggi mozzafiato in condizioni meteo e di luce cangianti e sorprendenti, con nuvole veloci che attraversano l’intera ampiezza del cielo e orizzonti vastissimi in cui l’occhio si perde. I teleobiettivi sono altrettanto utili, ma in situazioni per le quali dovrete approntare accorgimenti tecnici leggermente differenti. Se consideriamo un timelapse di panorama, ad esempio, in condizioni di leggero vento potremo avere nuvole che attraversano pigramente il cielo in 30 secondi se inquadrate con un grandangolo; ma le stesse nuvole attraverserebbero l’inquadratura in pochi secondi se inquadrate con un teleobiettivo, risultando più drammatiche e dinamiche, e sarà pertanto necessario utilizzare un intervallo tra scatti differente a seconda delle nostre intenzioni.

L’ultimo aspetto da considerare in relazione agli obiettivi è l’assenza di contatti elettronici e la presenza dell’anello di apertura: due caratteristiche dei vecchi obiettivi manuali. Perché sono importanti? Gli obiettivi moderni dialogano direttamente tramite contatti elettronici con il corpo della fotocamera per impartire l’apertura desiderata. Nella fotografia timelapse questo dettaglio potrebbe comportare una minima variazione di luminosità tra una foto e la successiva, assolutamente impercettibile in condizioni normali, ma evidente nella visione continuata di una sequenza di foto e causa di un fenomeno cosiddetto di sfarfallio («flickering» in inglese). L’uso di un obiettivo manuale mitiga questo problema, e ne parleremo in dettaglio qui.

Fascia di prezzo: decisamente varia!

L'intervallometro

Semplice: non c’è timelapse senza intervallometro. Il nome spiega già la sua natura: misurare gli intervalli. E la sua importanza risiede nel fatto che questi intervalli devono essere regolari per assicurare la natura di «immagini nel tempo» che contraddistingue questa forma di fotografia. L’intervallometro è quindi lo strumento che utilizzerete per impostare l’intervallo in secondi tra ogni scatto e il numero di fotografie da scattare (anche illimitato, cioè fino a un vostro intervento o arrivati all’esaurimento delle batterie o della scheda di memoria). La buona notizia per i possessori di DSLR Nikon è che l’intervallometro è presente in tutte le fotocamere più recenti in forma di voci di menu da impostare; i possessori di Canon e altre marche devono invece acquistare uno strumento separato, delle dimensioni di un telecomando, da collegare via cavo alla fotocamera (e già il wireless incombe sulle nostre vite). Gli intervallometri esterni forniscono numerose funzioni in più e consentono di eseguire scatti illimitati (laddove, ad esempio, su una Nikon D7000 è possibile scattare un massimo di 999 foto intervallate). Il Nikon MC-36 ad esempio è un vero e proprio sistema di scatto remoto, versatile in molte situazioni e dotato tra le altre cose di timer a intervalli.

Fascia di prezzo: € o meno in caso di prodotti universali, non di marca, tendenzialmente asiatici (fate però attenzione: potrebbero presentare imprevisti problemi di compatibilità). Una buona marca emergente che propone prodotti universali è Phottix.

Il treppiede

La stabilità in fase di ripresa è fondamentale in un classico timelapse da postazione fissa. Minime variazioni in pochi fotogrammi diventeranno subito evidenti nel filmato finale con il rischio di distrarre dal contenuto e dare una cattiva impressione sulla vostra tecnica. Evitate i leggeri treppiedi da turista per caso: troppo facile sbilanciarli e inciamparvi con esiti disastrosi. Se non avete ancora investito in un treppiede serio, valutate un modello solido ma non pesante (in previsione di eventuali camminate impervie in cerca del migliore punto di osservazione) con testa rimovibile (acquistabile anche separatamente). Personalmente, ho trovato perfetta la disarmante semplicità della testa Manfrotto 494 RC2: è una testa a sfera tra le più piccole e leggere della sua serie, comoda e veloce da usare. Le teste a tre vie sono in genere più pesanti e necessitano di più tempo per essere impostate, ma vi consentono maggiore precisione e sopportano carichi più impegnativi.

Fascia di prezzo: tra € e €€ per una combinazione base di treppiede e testa

imagesCome spesso accade al fotoamatore, la scelta dell’attrezzatura è dettata dall’uso che ne vuole fare, spesso in più campi. Se amate anche la macrofotografia, ad esempio, una testa a tre vie (o addirittura a cremagliera) potrebbe essere più consona e facilmente adattabile a lavori di timelapse.

Supporti alternativi

In caso di condizioni precarie o laddove sia proibito l’utilizzo di treppiedi, troverete un alleato nei bracci pieghevoli dedicati per fotocamere e videocamere, come il Magic Arm della Manfrotto, abbinati a un morsetto (ad esempio questo) da agganciare ad altre strutture (verificate sempre di averne il permesso). In ogni caso controllate sempre con attenzione la portata massima indicata dai produttori di attrezzature come i bracci snodati, in quanto pensati per sostenere il peso di accessori normalmente più leggeri delle fotocamere. Fate sempre delle prove di tenuta a casa o in un ambiente protetto prima di tentare soluzioni «innovative». La solidità di questi strumenti non deve farvi dimenticare di assicurare ulteriormente la fotocamera, ad esempio tramite la sua tracolla, meglio se con anelli rinforzati, o tramite corde e moschettoni. Questi accorgimenti sono fondamentali per la sicurezza nel caso la fotocamera venga posta a una certa altezza o sopra il passaggio di persone. Come regola generale, più la fotocamera è vicina alla base dell’attacco che avete preparato, più salda sarà la configurazione. E sopra a questa regola ne vale una ancora più importante: usate il buon senso e lavorate in sicurezza.

Fascia di prezzo: €

Figura 2.1: un morsetto 386B Nano montato sotto la testa 494RC2, entrambi della Manfrotto, reggono una Nikon D7000 con Nikkor 85 mm f/1.8 in una configurazione «inusuale». Questa soluzione occupa uno spazio ridotto e vi consente di operare senza essere notati dai curiosi.

Schede di memoria

Come sappiamo, i timelapse sono composti da centinaia, e spesso migliaia, di fotografie. Il primo vostro pensiero dovrà quindi essere rivolto all’acquisto di schede capienti e veloci, senza lesinare sulla qualità. Le schede più diffuse oggi per fotocamere DSLR professionali sono le schede «CF», mentre tra le compatte e le DSLR di fascia amatoriale si sono diffuse le schede comunemente dette «SD» (troverete anche le sigle SDHC, SDXC per via delle differenze tecniche, ma le possiamo chiamare semplicemente schede SD). Si presentano in varietà da 4, 8, 16 e 32 GB di capienza (arrivano a 256 GB, costose) e con «classi» numeriche (2, 4, 6 e 10). La classe di una scheda SD indica la velocità di scrittura del file (per capirci, «quanto tempo ci si mette a copiare una foto sulla scheda»). La velocità delle schede SD nella fotografia timelapse è fondamentale per le riprese video e le fotografie sportive o di moda che necessitano di scatti in rapida successione e ha importanti ripercussioni anche nei timelapse: la fotocamera infatti è in grado di memorizzare temporaneamente i dati di una foto appena scattata mentre la foto precedente è ancora in fase di scrittura sulla scheda. Questa memoria però non è illimitata, e una volta raggiunto un certo numero di foto, il ritmo degli scatti rallenta. Questo fenomeno si chiama «buffering». Se è un inconveniente per la fotografia sportiva, è decisamente da evitare nei timelapse, in cui gli intervalli tra le foto devono essere regolari. Ne parleremo più in dettaglio parlando di file RAW e JPEG. Il consiglio è quello di non lesinare con la qualità delle schede e di orientarvi verso schede di classe 6 o 10 e di qualità comprovata (come Lexar Pro, SanDisk Extreme, Toshiba) per mantenere libero il buffer quando scattate in RAW ed evitare spiacevoli sorprese.

La capienza è il fattore chiave che distingue la scelta di una scheda di memoria. Io utilizzo schede da 16 GB principalmente per via delle mie attività video. Se non avete esigenze particolari, le schede da 8 GB rappresentano un ottimo rapporto costi/benefici per iniziare. Per darvi un calcolo di sorta, 8 GB possono bastare per 500-1000 scatti in JPEG di alta qualità, che a intervalli di 1 secondo corrisponde a una sessione continua di mezz’ora. Se è tanto o poco lo giudicherete voi sulla base dei vostri primi tentativi. Se non avete una fotocamera con due alloggiamenti per schede SD, potreste optare da subito per schede da 16 GB. Schede più capienti potrebbero non servirvi, specialmente agli inizi della vostra avventura nel timelapse e c’è sempre quell’aspetto psicologico da non sottovalutare, come quella volta che ho fatto cadere una scheda da 16 GB nella fessura di un pontile. La vedevo lì, galleggiare… e mi dicevo «non potevi essere una scheda da 4 GB?» Se l’ho presa bene è solo perché la scheda era vuota e non avevo ancora iniziato a fotografare.

Fascia di prezzo: €

Accessori

L’uso estensivo delle batterie della fotocamera è un altro nodo essenziale da affrontare nella fotografia timelapse, motivo per cui è importante considerare batterie di grande tenuta e l’acquisto di almeno una batteria di riserva. Con timelapse a intervalli di pochi secondi non avrete mai la possibilità di cambiare la batteria al volo: iniziate un timelapse sempre con la batteria carica al 100%! Per i lavori più intensivi (ad esempio i timelapse del cielo stellato della durata di un’intera notte) consiglio l’utilizzo di un battery grip o di un adattatore di corrente, laddove possibile.

Fascia di prezzo: € per una batteria aggiuntiva, €-€€ per battery grip

imagesNon trascurate le batterie di qualsiasi altro dispositivo portiate con voi, PC, smartphone… e soprattutto dell’intervallometro esterno.

I filtri che già possedete sono esattamente i filtri che vi occorrono per fotografare timelapse, che si tratti di filtri circolari o di filtri quadrati/rettangolari da applicare con particolari sistemi di marca (Cokin e Lee, ad esempio). Tra i vari filtri, gli ND sono di particolare utilità per i timelapse. Si tratta di filtri neutri (per meglio dire, di colore grigio neutro, privo di dominanti di colore) in grado di ridurre la luce che entra nell’obiettivo. Ne esistono di fissi e di variabili, di qualità molto varia, come i prezzi. Il loro scopo è quello di scattare pose a ISO bassi e diaframmi aperti o a lunga posa anche in presenza di molta luce. I vantaggi nel timelapse sono evidenti: dare un effetto mosso o vaporoso a fiumi, cascate e nuvole; ammorbidire il movimento di elementi in primo piano come alberi agitati dal vento; sfocare o dare un effetto mosso a persone e veicoli in movimento; e così via. Questi scenari possono dare ottimi risultati con velocità di 1/10 di secondo, ad esempio, e per ottenere queste condizioni in pieno giorno un filtro ND è indispensabile.

Fascia di prezzo: € e anche €€. La qualità presente sul mercato è molto variabile. I filtri più economici in genere lasciano a desiderare in fatto di «neutralità» e aggiungono una dominante di colore alla scena che può rendere necessario lavoro di correzione del colore in post-produzione.

Un coprioculare: quando realizzate timelapse o girate video con la vostra DSLR, coprite il mirino. L’unica situazione in cui non vi servirà è scattando in manuale, perché la fotocamera incustodita (senza la vostra faccia appiccicata dietro) non si confonderà ricevendo luce aggiuntiva che filtra dal mirino (ad esempio luce diretta dal sole). Io tengo a portata di mano del nastro nero da applicare all’occasione, considerato che non so dove sia finito il mio coprioculare… Controllate il manuale della vostra fotocamera: alcuni modelli dispongono di sistema integrato di chiusura del mirino.

Fascia di prezzo: rovistate nella confezione della fotocamera, o fate da voi con nastro adesivo

Una semplice bolla a più assi da agganciare alla slitta porta accessori della DSLR, per pochi euro, vi garantisce una linea dell’orizzonte subito perfetta. Non è indispensabile, ma perché aggiungere ulteriori attività in post-produzione su migliaia di file? Fotografare subito il più correttamente possibile non è una pignoleria, è uno stile di vita!

Fascia di prezzo: pochi euro

Un mirino angolare vi aiuta nel caso teniate la fotocamera molto bassa per ottimizzare al meglio la stabilità del treppiede o in situazioni in cui abbiate collocato la fotocamera in posizioni scomode. Quante volte vi ripeterete: «ah se avessi un mirino angolare in questo momento»? Fatemi sapere.

Fascia di prezzo: €

Attrezzatura da campo: non so quali tipi di timelapse avrete voglia di realizzare dopo avere letto questo eBook. Forse non uscirete mai dalla vostra città! Ma al di là di dove vi porti la creatività, realizzare timelapse è un’attività che richiede tempo. E mentre aspettate che la vostra fedele fotocamera termini il prezioso lavoro che le avete affidato dovrete pur aspettare da qualche parte. Consiglio di non fare mai mancare con voi uno sgabello pieghevole e un thermos o una borraccia. Se avete esperienza di foto naturalistiche sapete di cosa sto parlando. Una giacca o un gilet carico di tasche è sempre comodo. Forse è in una di quelle tasche che ho dimenticato il coprioculare.

Fascia di prezzo: pochi euro, rovistate in garage!

Altre stranezze

Le stranezze di cui parlo sono soluzioni alternative non comuni presso i fotografi «puristi» ma riconoscibili dai fotografi o dai videografi che hanno iniziato a sfruttare il potenziale video delle loro DSLR.

Figura 2.2: una configurazione video applicata al timelapse, consistente in: box reggi-filtri con paraluce («matte box»); mirino elettronico esterno («EVF») e focus manuale assistito («follow focus»). L’intera configurazione mi occorreva per girare video e non ha intralciato l’esecuzione dei timelapse. Ho utilizzato l’EVF solo nelle fasi preparatorie di messa a fuoco e controllo delle immagini di prova e l’ho rimosso per la durata della ripresa, non essendo necessario.

La loupe, questa sconosciuta prima dell’avvento della tecnologia video nelle DSLR, è uno strumento da abbinare alla modalità Live View, applicato allo schermo LCD sul dorso della fotocamera. Generalmente le loupe sono estensioni di plastica dotate di lente per ingrandire di 2 o 3 volte lo schermo LCD. In un attimo avrete una visione Live View ingrandita e schermata dai raggi del sole, utile per consultare agevolmente i menu della fotocamera e gli scatti di prova anche in pieno sole. La modalità Live View consente inoltre di perfezionare la messa a fuoco manuale, come vedremo parlando di Tecnica sul campo. Alcuni modelli prevedono l’incollatura di una cornice magnetica sul vostro schermo LCD. Se la cosa vi disturba, potete semplicemente reggere in mano la loupe per i pochi minuti che la userete sul campo.

Fascia di prezzo: €

Un monitor esterno, che potrebbe farvi guardare con stupore dai colleghi fotografi (non garantisco sui motivi dello stupore: potrebbe trattarsi di ammirazione, come di sospetto di fanfaronaggine nei vostri confronti) è un accessorio secondario, ma utile. Ne parlo qui perché, sebbene sia un accessorio sconosciuto ai normali fotoamatori, potreste averne o volerne uno se avete iniziato a girare video con la vostra DSLR. I vantaggi di un monitor esterno per DSLR sono tanti, alcuni dei quali utili a noi timelapser: se il monitor è configurato come «EVF», cioè mirino elettronico, avete tutti i vantaggi di una loupe e di un mirino angolare insieme (…inclinabile in qualsiasi direzione). Potrete poi usare il monitor seduti a breve distanza dalla fotocamera o sfruttare le opzioni avanzate per una messa a fuoco manuale accurata. I vantaggi sono innegabili! Gli svantaggi sono due: il prezzo e la necessità di fissare in modo sicuro il monitor con ulteriori accessori.

Fascia di prezzo: €€€-€€€€

Un microfono esterno. Chi l’ha detto che i nostri timelapse devono essere muti? Non parlo di una registrazione audio da comprimere insieme alle immagini (otterremo suoni accelerati che non avrebbero senso), né di collocare il microfono esattamente sulla postazione, perché il clic dell’otturatore potrebbe essere udibile. Parlo invece di una registrazione dell’ambiente che può avvenire con un microfono mono o stereo, direzionale, in grado di escludere il suono dell’otturatore e di concentrarsi sul soggetto (la città, il traffico, la valle). Il mio è un ragionamento da videografo, ma dopotutto stiamo realizzando un video. Perché limitarsi?

Fascia di prezzo: €-€€. L’ideale per il timelapse è tenere il microfono distante dal suono dell’otturatore, quindi la combinazione consigliata è un microfono collegato a un registratore digitale.

La parte informatica

Il mondo delle app è in evoluzione continua e qualsiasi elenco possa fare qui risulterà incompleto. Le app interessanti per noi timelapser sono di vario tipo e, tralasciando quelle specifiche per scattare direttamente con lo smartphone, sono decisamente numerose. Esistono app per calcolare il numero di scatti necessari in base alla durata e ai fotogrammi al secondo del video finale; innumerevoli app di previsioni meteo; app per il calcolo della posizione del sole e app/almanacchi per darvi l’ora di albe e tramonti, ecc. ecc.

Fascia di prezzo: da zero a pochi euro

Per quanto riguarda l’attrezzatura informatica per tutta la parte di post-produzione, sarò breve: utilizzate il vostro computer. Se è lento, cambiatelo. Non ho altri consigli… l’elaborazione, e soprattutto l’esportazione delle foto in una sequenza di timelapse potrebbe richiedere del tempo, che potreste guadagnare con una macchina più potente se la vostra attuale non vi soddisfa (e di tempo ne serve parecchio, per importare, per esportare, per creare copie di sicurezza, per convertire sequenze di foto in file video, per montare più sequenze insieme, ecc.); inoltre una vera e propria attività di montaggio video potrebbe richiedere più RAM di quanto siate abituati. In linea di massima, 4 GB di RAM potrebbero risultare pochi, ma non vi impediranno di lavorare.

Se avete a disposizione un secondo computer portatile, potreste portarlo con voi sul campo per conservare ulteriori copie dei file di immagine.

Fascia di prezzo: €€€ e più

A parte le già citate «app» che ci possono facilitare qualche compito sul campo, i programmi software necessari al lavoro di post-produzione sono più impegnativi e toccano il mondo del video e della fotografia professionale. Per citarne alcuni:

- Fotoritocco e organizzazione delle immagini:

Adobe Lightroom, Adobe Camera Raw (entrambi per Win e Mac), Apple Aperture (solo Mac)

- Deflickering (cancellazione dello sfarfallio):

LRTimelapse, TLTools (entrambi necessitano di Adobe Lightroom, il secondo è sviluppato in Italia), GBDeflicker

- Conversione in video:

Adobe Lightroom, Apple Quicktime Pro (Win e Mac), MPEG Streamclip (Win e Mac, gratuito), PhotoLapse3 (Win, gratuito)

- Montaggio video (per utenti avanzati):

Apple iMovie (su ogni Mac), Apple Final Cut Pro X (solo Mac), Adobe Premiere (Win e Mac), Sony Vegas (Win)

- Effetti visivi e motion graphics (per utenti avanzati):

Adobe After Effects (Win, Mac), Apple Motion (solo Mac). Il primo è il più sofisticato strumento per effetti visivi di larga diffusione, molto complesso e utilizzato sia da semiprofessionisti che dagli studios hollywoodiani; il secondo coniuga potenza a un costo accessibile, ma è solo per Mac e gode di minore diffusione e aiuti sul Web per poter essere utilizzato appieno in tempi brevi da autodidatti.

Fascia di prezzo: a parte le utility gratuite, le applicazioni semiprofessionali o le loro versioni apposite per un pubblico di utenti amatoriale variano tra €€ e €€€.

La teoria

Il linguaggio delle tecniche video

Ci stiamo addentrando piano piano in territorio ostile… quel regno misterioso del video che si è insinuato nelle nostre fotocamere e ne sta prendendo possesso…

Il fotografo di timelapse si deve confrontare con le odierne tecnologie per la produzione di video perché è un video ciò che dovrà ottenere dalle sue ore e ore di lavoro. Non tutti i fotografi però sono a proprio agio con la terminologia e i concetti dei video, con gli acronimi (fps?), sigle (1080p?) e via dicendo. La buona notizia è che non sono nozioni difficili.

Alcune sigle, nomi e tecniche del mondo del video e del cinema sono entrate nel nostro mondo di fotografi digitali nel momento in cui Nikon ha introdotto la prima DSLR in grado di girare video (la D90). Alcuni di questi aspetti ci riguardano da vicino perché nella fotografia timelapse iniziamo nella consueta veste di fotografi, ma finiamo nei panni di videografi. Questo capitolo quindi è un rapido corso intensivo su alcuni degli aspetti base della nomenclatura video che riguardano il mondo del timelapse.

Le dimensioni dell’inquadratura

Fotocamere di diverso tipo, da che esiste la fotografia, producono immagini di proporzioni diverse. Oggi i più diffusi sono i formati che ci consentono di ottenere una fotografia, poniamo, larga 4 e alta 3, oppure larga 3 e alta 2, che quando le guardiamo insieme agli amici sul nostro televisore largo 16 e alto 9 non riempiono tutto lo schermo e lasciano bande nere ai lati…

In termini tecnici stiamo parlando del «rapporto d’aspetto». Se c’è qualche confusione sull’argomento è dovuta ai vari modi di esprimerlo per iscritto, ma il modo più immediato è nella forma x:y, dove x è la larghezza e y è l’altezza. Le nostre DSLR scattano in formato 3:2 (Figura 3.1). I televisori tradizionali hanno un rapporto d’aspetto di 4:3; i televisori moderni e sempre più spesso gli schermi di computer invece sono in 16:9 («sedici noni»). Questo dato ci interessa in particolare: perché essendo tv e schermi il dominio dell’immagine in movimento, i nostri statici scatti in 3:2 pensati per la stampa dovranno inevitabilmente tenere conto di questa «destinazione d’uso»: possiamo pensarci noi in fase di realizzazione del video, rifilando le immagini nel formato finale, oppure lasciarle inalterate, ma sapendo che, ad esempio, in un televisore non potremo vederle a tutto schermo, a meno di «tagliare» parte dell’immagine (Figura 3.2).

imagesTalvolta la confusione nel rapporto di un’immagine è data dal fatto di poterlo esprimere in vari modi: ad esempio, 16:9 è la stessa cosa di 1,78:1 (scritto in forma di proporzione riferita all’unità).

Figura 3.1: il formato 3:2 tipico delle DSLR.

Figura 3.2: la stessa immagine scattata in 3:2 perderà i margini superiori e inferiori in un televisore 16:9 se visualizzata a schermo intero (viceversa, se visualizziamo l’immagine per intero, questa non coprirà tutta la larghezza del televisore e lascerà bande laterali nere)

Figura 3.3: una scelta panoramica più estrema, meno diffusa ma pur sempre «standard», in questo caso 2,35:1.

Se la vostra fotocamera è dotata di funzione video, potete prendere nota dell’effettivo rapporto finale nel video di timelapse direttamente sul campo. In ogni caso, provate a considerare un’inquadratura leggermente più larga di quanto intendete utilizzare; in questo modo avrete la possibilità in fase di post-produzione di «spostare» o «zoomare» artificialmente l’immagine, aggiungendo un senso di movimento a un’inquadratura statica.

Figura 3.4: impostando la visualizzazione per i filmati in modalità Live View posso visualizzare l’esatta composizione in 16:9 (lo spazio racchiuso tra le due fasce più scure in alto e in basso). Questa è solo una comoda anticipazione del formato finale del video in 16:9: le foto scattate (sia tramite mirino che tramite Live View) saranno comunque nel consueto formato 3:2.

Ora che sappiamo in quale rapporto scattiamo le foto, chiediamoci quanto «grandi» dovranno essere le nostre sequenze di timelapse, utilizzando un’unità di misura ben precisa: i pixel.

Una Canon 7D che scatta fotografie a 18 megapixel realizza immagini delle dimensioni di 5134 pixel (lunghezza) x 3456 pixel (altezza). La Nikon D7000 scatta foto di 4928 x 3264 pixel; e così via, altre fotocamere con densità di sensore diverse offriranno misure in pixel diverse. Nei vari apparecchi possiamo inoltre scegliere di scattare immagini JPEG di grandezze diverse (Large, Medium, Small).

Questo è il mondo della fotografia. Nel mondo del video le cose sono molto più standardizzate. Ad esempio, i video girati dalle DSLR esistono unicamente in tre dimensioni standard:

- 640 x 480 pixel, chiamato SD (Standard Definition)

- 1280 x 720 pixel, chiamato HD (High Definition), e lo potete scrivere 720p, dove p non è «pixel» ma «progressive», dal nome del metodo di scrittura, o scansione, dei pixel

- 1920 x 1080 pixel, chiamato Full HD, e lo potete scrivere 1080p (esiste anche il 1080i, ma NON riguarda le fotocamere DSLR, in grado di generare video solo in modo progressivo)

I più agili in matematica noteranno che il primo è un formato 4:3, il secondo e il terzo sono 16:9. Ma quello che più ci importa ora è il fatto che la risoluzione standard delle foto è decisamente maggiore rispetto a quelle dei video.

Fotogrammi al secondo

Il risultato del nostro lavoro sarà un video e i video si compongono di fotogrammi che scorrono davanti a noi dandoci l’illusione del movimento. È la magia del cinema, bellezza. Il numero di fotogrammi che si avvicendano ogni secondo è una nostra scelta, basata su gusti o esigenze specifiche. La sigla che troverete spesso in inglese è «fps», cioè frames per second. Le impostazioni più diffuse sono:

30 fps: in uso negli Stati Uniti e nei sistemi di diffusione televisiva cosiddetti NTSC in altre parti del mondo.

25 fps: in uso in Europa e altrove nel mondo con i sistemi cosiddetti PAL.

24 fps: la velocità dei fotogrammi nel cinema.

L’eventualità che noi timelapser alle prime armi realizzeremo lavori dedicati alla visione/trasmissione televisiva sono remote; credo di andare sul sicuro dicendo che la quasi totalità di chi mi legge vorrà realizzare qualcosa da caricare su Internet o da mostrare su un computer. Le impostazioni consigliate saranno quindi quelle a 24 e 25 fotogrammi al secondo. Per altri tipi di lavori ed esperimenti si può scendere anche a 15 o 12 fps; viceversa anche un numero maggiore di fotogrammi al secondo è un’opzione valida (50 fps è un altro standard PAL per video 720p, ad esempio), ma naturalmente richiederà il doppio degli scatti di un timelapse a parità di tempo e non sempre si tratta di un’opzione percorribile.

I fotogrammi al secondo sono una nozione importante da considerare già al momento di scattare le foto; potremo sempre cambiare idea, ma io ad esempio scatto sempre con l’intenzione di realizzare video a 24 fps e calcolo il tempo finale del timelapse sulla base di questo valore.

imagesAvete sentito parlare di fotogrammi smozzicati a 29,97 fps e sbocconcellati a 23,997? L’esistenza di fps non interi ha una spiegazione tecnica e storica che risale agli anni ‘50 negli Stati Uniti. Il passaggio al colore nella televisione dell’epoca aveva reso necessario un minimo rallentamento del segnale, pari allo 0,1%, allo scopo di mantenere l’integrità del colore sull’infrastruttura di trasmissione. Questa conformità è stata applicata poi ad altre situazioni e, senza farla troppo lunga, è oggi alla base di queste esigenze di conformità nei sistemi in uso, tanto che le moderne videocamere, DSLR incluse, girano video a fps «smozzicati». Per quanto riguarda la conversione della nostra sequenza di timelapse in formato video, ci ritroveremo questi fps frazionati come scelta possibile: e non fa davvero molta differenza scegliere 23,997 (peraltro spesso abbreviato in 23,98) o 24 fps. A me piace lavorare in 24 fps netti, in parte perché è un numero mutuato dal cinema, in parte perché il nostro lavoro di partenza è l’immagine fotografica, intera, proprio come il fotogramma in una pellicola cinematografica.

Leggi anche: Quanto tempo serve?

Codec e compressioni

L’ultimo aspetto da considerare è il sistema di «compressione-decompressione» del video che intendiamo creare. Semplicemente, si tratta di un sistema rivolto alla riduzione delle dimensioni dei file video. Noi timelapser ci preoccuperemo solo marginalmente di questo aspetto, e unicamente quando si tratterà di convertire la sequenza fotografata in video (dove, nei casi più semplici, avremo la possibilità di ignorarlo totalmente). I codec utilizzati saranno la base per il formato di file del video finale. Senza entrare in dettagli tecnici, ci basta sapere che possiamo creare file video di varie dimensioni, da pochi MB a un paio di GB, anche partendo dallo stesso materiale di poche decine di secondi. I file creati potranno essere in formato MPEG-4, il formato di «compressione» più sfruttato oggi (il nome del file sarà del tipo timelapsevacanze.mpeg), oppure in altri formati compressi sotto l’estensione .mov (la stessa prodotta dalle DSLR, solitamente con compressione H.264).

L'eterno dilemma tra RAW e JPEG

Se fotografate in digitale da un po’ conoscete bene la differenza tra i formati RAW e JPEG. Per un ripasso, la trovate brevemente nel riquadro qui sotto.

imagesRAW e JPEG sono i due formati più diffusi con i quali potete scattare foto con le vostre fotocamere (non più solo con le evolute DSLR, ma anche con alcune compatte). Il formato JPEG è equiparabile a una fotografia sviluppata, mentre il formato RAW può essere visto come un’immagine latente ancora nella bacinella di sviluppo: come la svilupperete? Con più o meno contrasto? Con toni morbidi? E così via. Naturalmente, stiamo parlando di formati elettronici, quindi riproducibili e modificabili a piacere. Ma il fatto che il JPEG sia un’immagine «conclusa» comporta che qualsiasi ulteriore modifica debba avvenire a partire da un’elaborazione già effettuata, pertanto le modifiche possibili non potranno essere infinite ed esagerandole più del dovuto sarà subito percepibile il decadimento dell’immagine. Inoltre, le immagini JPEG sono compresse, cioè vi si è applicato un algoritmo di compensazione per ridurne le dimensioni a scapito della qualità. Invece, con un file di immagine RAW abbiamo a che fare con un file di dati in attesa di essere elaborato (l’immagine che vedete sul dorso della vostra fotocamera non è il file RAW! È una sua rappresentazione). Questo permette potenzialità di intervento considerevoli, non distruttive e impensabili con i formati compressi.

In quale formato quindi è meglio scattare i nostri timelapse?

Se avete la possibilità tecnica di scegliere tra RAW e JPEG, questa domanda vi apre due strade, entrambe percorribili sia dal principiante che dal professionista dei timelapse.

imagesLa vostra fotocamera è in grado di scattare RAW, ma il suo buffer non lo consente a intervalli di 1 o 2 secondi (o più, dopo un certo lasso di tempo)? Per saperlo, l’unica soluzione è scattare una sequenza di prova e monitorare eventuali scatti saltati e anomalie dopo 5-10 minuti di sequenza. Se volete scattare in RAW fate sempre affidamento a schede di memoria veloci e di buona qualità, come spiegato qui.

Il mio consiglio per chi inizia è senz’altro quello di scattare in JPEG e vedere l’effetto che fa.

Mettiamo i due mondi nella giusta prospettiva:

JPEG:

- Per principianti assoluti, in modo da concentrarsi sulla tecnica, capire i tempi necessari, ottenere risultati rapidi e fare pratica.

- Per divertimento, per lavori veloci, improvvisati, con gli amici.

- Per praticità: non avete voglia di elaborare migliaia di immagini (e il RAW va per forza elaborato e convertito).

- Per lavori in cui gli scatti non sono impegnativi e non sono inclini a errori di esposizione o bilanciamento del bianco. Poiché dai file JPEG non potrete recuperare l’impossibile… è importante che le immagini siano corrette e affini a come le desiderate già al momento dello scatto.

- Perché avete poco spazio sulle schede di memoria e sul computer. I file JPEG possono essere più piccoli anche del 60% rispetto a un file RAW (in termini di MB, ad esempio, potreste ottenere da uno stesso file 4 MB in JPEG e 14 MB in RAW).

RAW:

- Per esperti. Adorate il RAW, non ne potete fare a meno, ogni vostra foto è preziosa, volete il massimo da ogni immagine.

- Perché vi piace elaborare le fotografie nelle camere oscure digitali del XXI secolo (cioè i programmi di fotoritocco). Vi richiede tempo, ma è tempo speso bene.

- Perché avete spazio su schede di memoria, computer e sistemi di backup.

- Perché avete davanti a voi una scena spettacolare.

- Perché avete davanti a voi una scena difficile da fotografare (in termini tecnici: la gamma dinamica della scena è molto ampia, con luci e ombre molto forti, e il tutto può cambiare nel corso della sequenza). Fotografare in RAW vi consente una latitudine di azione nettamente superiore rispetto al formato JPEG «bloccato». La flessibilità nel trattamento del colore, del recupero dell’esposizione e del bilanciamento del bianco è totale e necessaria a eseguire lavori creativi e di qualità.

- Perché volete vendere il vostro lavoro. Il timelapse sta vivendo un momento d’oro sul mercato degli stock video. Certo, la concorrenza è tanta e la qualità molto alta. Elementi sufficienti a far scattare il diavolo competitivo che è in voi!

imagesE non è finita qui. Senza scendere in dettagli tecnici, le nostre immagini sono composte da livelli tonali. Più le vogliamo di qualità, più livelli tonali ci servono. E il numero di questi livelli deve sottostare all’architettura dei file: ci basti sapere che il valore di 8 bit può darci un massimo di 256 livelli tonali mentre un file a 16 bit ce ne può dare 65.356. Una differenza non da poco. Nella pratica, potremo avere a disposizione nelle nostra fotocamere file RAW a 12 bit e 14 bit (4.096 e 16.384 livelli, rispettivamente). Poiché abbiamo visto che il risultato finale sarà un video di risoluzione tutto sommato ridotta, se ne avete la possibilità potete limitare spazio su disco e risorse di memoria scattando in 12 bit senza temere di perdere qualità.

A molteplici situazioni corrispondono molteplici soluzioni. A dettare la vostra scelta può essere l’attrezzatura, la condizione di scatto o il pubblico a cui è destinato il vostro lavoro.

Esistono anche alcune situazioni di compromesso per i possessori Canon: il formato sRAW è infatti una tecnologia in grado di comprimere i file RAW senza pregiudicarne la qualità. Molto utile se la vostra preoccupazione riguarda lo spazio su disco dei vostri file: potrete risparmiare fino a due terzi dello spazio rispetto al formato RAW.

Se la fotocamera lo consente, potete poi scattare sia in formato RAW che JPEG, anche su schede diverse contemporaneamente. Mi raccomando però di seguire un’attenta gestione dei file sul vostro computer per non rimanere con inutili duplicati!

imagesIl formato RAW viene sviluppato in modi diversi dai vari produttori di fotocamere (tutti gelosissimi del loro lavoro: infatti sono formati «chiusi» e se il vostro programma di fotoritocco li legge è solo perché il produttore fotografico ha fornito le necessarie specifiche di lettura al produttore del programma software. Nikon lo chiama NEF (Nikon Electronic Format), Canon lo chiama CRW (Canon RaW), Sony lo chiama ARW (Alpha RaW) e così via. Adobe ha realizzato invece un formato «aperto» e lo ha chiamato DNG. Ne parlo più in dettaglio a proposito della gestione dei file di immagine.

Infine, consultate il manuale della vostra fotocamera per capire le varie qualità offerte per i file JPEG, come «Small», «Large» e «Fine» (Fine, da leggersi in inglese, sta per «ottimo» in questo caso).

Io fotografo spesso in JPEG, nonostante mi piaccia lavorare molto sul ritocco dei file. Per avere questa libertà di scelta ho investito su schede e spazio su disco (inclusi dischi di backup). Nonostante alcune scellerate scelte di tassazione su dispositivi di memorizzazione adottate dal governo, i dischi e le schede di memoria hanno un prezzo ragionevolmente contenuto, e sappiamo tutti di vivere in un’era in cui la diffusione dei file, di immagine o meno, segue una curva esponenziale, quindi l’acquisto di computer e dischi capienti è una scelta che si ripagherà nel tempo.

Quanto tempo serve?

Veniamo alla domanda fondamentale da affrontare quando approntiamo una sequenza di timelapse: quanto tempo occorre a fotografare tutto ciò che ci serve? Quante foto, quanto tempo, quanto intervallo tra le foto? Fermo restando che oggi c’è un’app per tutto e che ne esistono dozzine solo per rispondere a queste domande, è facile fare i calcoli relativi a un timelapse. Partiamo da domande più specifiche:

- Quanto tempo avete a disposizione?

- Quanto volete che duri il risultato finale?

- State realizzando un’unica, lunga sequenza, o più sequenze da montare insieme?

La prima domanda in realtà cela un tranello: se vi dedicate al timelapse, dovete avere molto, molto tempo a disposizione! La fretta è cattiva consigliera, il timelapse necessita di dedizione. A meno che vi troviate in luoghi con orari di chiusura, come parchi, riserve naturali, musei, luoghi privati e simili, prevedete di occupare tutto il tempo che vi serve, anche di più, prima ancora di partire.

Rispondendo a queste domande avrete un’idea di quante fotografie vi occorreranno in considerazione dell’intervallo che deciderete di usare tra uno scatto e l’altro. Vediamo come.

Esempio:

Volete ottenere una sequenza in video della durata di 10 secondi. I video sono successioni di immagini fisse che scorrono davanti a noi a una velocità costante: come i classici 24 fotogrammi al secondo nel cinema. Per noi timelapser è la stessa cosa, e come vedremo qui possiamo scegliere tra velocità standard come 24, 25 o 30 fotogrammi al secondo. In questo esempio scegliamo i classici 24 fotogrammi al secondo:

24 fotogrammi x 10 secondi = 240 scatti fotografici

Davanti a noi scorrono grandi nuvole lente lungo un orizzonte di colline.

Decidiamo di scattare una foto ogni 2 secondi.

240 scatti x 2 secondi = 480 secondi, ovvero in minuti:

480 ÷ 60 = 8 minuti

Ovvero: 8 minuti è il tempo necessario a scattare 240 fotografie a intervalli di 2 secondi ciascuna per ottenere un video della durata di 10 secondi.

Possiamo anche partire da parametri diversi: ad esempio da un certo numero di minuti a disposizione vogliamo ottenere un certo numero di secondi in video.

Esempio:

Vogliamo comprimere 10 minuti di tempo reale in 10 secondi di video, a 24 fps:

24 fotogrammi x 10 secondi = 240 scatti fotografici

10 minuti reali x 60 secondi = 600 secondi

600 secondi ÷ 240 scatti = 2,5 secondi di intervallo tra uno scatto e l’altro (notate però che non tutti gli intervallometri vi consentono di usare frazioni di secondo)

imagesSiete stati attenti? Test: Volete realizzare 5 secondi di video scattando per un tempo di 10 minuti a 24 fotogrammi al secondo. Quale intervallo dovete impostare? La risposta è qui.

…oppure possiamo fare partire l’intervallometro senza preoccuparci di questi calcoli e a un certo punto domandarci: quanti secondi di video avrò scattato finora?

Esempio:

…avete scattato, poniamo, 315 foto

...per un video con 30 fotogrammi al secondo:

315 ÷ 30 = 10,5 secondi

…oppure per un video con 24 fotogrammi al secondo:

315 ÷ 24 = 13 secondi scarsi

imagesPreoccupati per l’usura? Le DSLR di fascia più bassa (quelle molto automatizzate e principalmente orientate a consumatori con poca esperienza) garantiscono un minimo di 100.000 cicli di otturatore (in parole povere, di scatti). Nella pratica, una buona DSLR anche non professionale arriva a offrire tra 250.000 e 3000.000 cicli.

Quale intervallo scegliere?

L’intervallo da scegliere è in funzione della scena davanti a voi e, in parte, dalla capacità di buffer della fotocamera. Partiamo da questo aspetto, a volte sottovalutato: potrebbe essere impraticabile la scelta di 1 o 2 secondi di intervallo tra scatti RAW. Probabilmente andrà tutto bene per qualche minuto, dopo di che un assordante e inatteso silenzio vi riempirà di orrore… la fotocamera ha saltato uno scatto! E il successivo lo ha scattato subito dopo! Risultato: un timelapse compromesso.

Lasciando da parte questi problemi di natura tecnica, occupiamoci della scena davanti a noi. Il ragionamento è questo: più lungo è l’intervallo, più compresso sarà il tempo che vedremo scorrere nel filmato finale. La prima implicazione principale è che un oggetto in movimento nella scena potrebbe comparire in un fotogramma e, se passa troppo tempo, essere già fuoriuscito dall’inquadratura nel fotogramma successivo. A seconda della valenza e dell’importanza di quell’elemento nella sequenza, questa condizione potrebbe essere fastidiosa o del tutto tollerabile.

Con l’esperienza potreste orientarvi a scattare in genere a intervalli di 1-3 secondi per scene panoramiche naturali e di città. Per scene di traffico non andrei in genere oltre i 2 secondi. Per panorami grandangolari e nuvole lente sono adatti 3-6 secondi. Ma queste non sono regole: ogni situazione vale per sé.

Le implicazioni saranno sul tempo trascorso a scattare e sulle dimensioni delle schede necessarie a raccogliere il tutto. Considerate inoltre che in caso di bisogno, con un programma di montaggio video potreste facilmente accelerare il timelapse; ma vi risulterà più difficile rallentare un timelapse, se mai ne aveste bisogno.

imagesSe in fase di post-produzione vorrete accelerare o rallentare una sequenza, attenetevi a multipli del frame rate originale (con 24 fotogrammi al secondo, ad esempio, rallentate a 12 o accelerate a 48). In caso contrario rischiate di ottenere immagini «nervose» che si muovo a scatti.

Se volete comprimere di molto un panorama e potete sfruttare tutta una giornata, allora potete considerare intervalli più lunghi. Se volete immortalare la costruzione di un grattacielo potete spingervi a scattare anche una sola foto al giorno…

I timelapse astronomici sono un discorso a parte, perché per loro natura gli scatti devono essere più lunghi. Per fotografare il cielo di notte potete scegliere di mantenere le stelle puntiformi (e per questo non dovreste oltrepassare i 30 secondi di posa con un grandangolo, cioè 30 secondi di otturatore aperto: se anche le stelle presentassero così un leggero allungamento, non si noterà nel video) oppure trasformarli in scie luminose. L’importante è che la durata dello scatto venga presa in considerazione nell’intervallo di tempo, perché così ragionano gli intervallometri.

Esempio:

Una foto astronomica della durata di 20 secondi richiederà un intervallo minimo tra gli scatti di 21 secondi. Se volete un intervallo di 5 secondi, impostate 25 nell’intervallometro. Accadrà questo:

- Click di apertura otturatore

- Dopo 20 secondi: click di chiusura otturatore

- Dopo 5 secondi: click di apertura otturatore

- E così via.

imagesC’è un’altra impostazione da usare con cautela nei timelapse fotoastronomici: la riduzione del disturbo su esposizioni lunghe. Se questa impostazione è attiva, le foto scattate con tempi di posa lunghi (1 secondo o più) vengono elaborate per ridurre il «rumore» digitale (che, per semplificare, è una distribuzione di pixel… disturbati). Il tempo richiesto per ridurre il rumore potrebbe essere il doppio del tempo di posa occupando anche il buffer di memoria: in simili condizioni, se non vi è tempo sufficiente tra la fine di uno scatto e l’inizio del successivo, rischierete un vero pasticcio.

La tecnica

Prima di uscire

Fondamentale per ogni uscita fotografica è avere tutta l’attrezzatura necessaria. Questa, che ora può sembrarvi la più grande banalità che leggerete oggi, è anche la regola più disattesa per distrazione, sfortuna o per mancanza di una routine consolidata. Uscire a fotografare seguendo sempre gli stessi passaggi di preparazione aiuta molto a sfruttare il massimo dal proprio equipaggiamento, senza dimenticare le cose essenziali e senza portare quelle inutili. Pertanto, fate un elenco di ciò che vi serve, piccoli accessori compresi:

- Fotocamera: corpo, tappo corpo, batteria, tracolla, …

- Obiettivi: con tutti i tappi, paraluce…

- Intervallometro esterno: cavi, batteria, …

- Schede di memoria: con custodia e una tasca specifica in cui conservarle, schede tutte formattate e vuote, …

- Treppiede: con testa, e la testa con le sue eventuali piastre di sgancio (uno degli accessori che più si tralascia di verificare), …

- Elementi di supporto: e relativi adattatori, piastre, ...

- Filtri: standard, polarizzatori, ND, filtri quadrati o rettangolari con il loro sistema di supporto, …

- Cellulare e app varie: per il meteo, per il calcolo dei tempi, per la posizione del sole, per conoscere il ristorante più vicino, …

- Strumenti di pulizia: della fotocamera, degli obiettivi, dei filtri, ...

- Batterie: arrivate sul posto sempre con le batterie ben cariche per non rimanere mai a metà di un lavoro; devono essere cariche per ogni dispositivo: fotocamera, intervallometro esterno, cellulare, con relativi caricabatterie se avrete a disposizione la rete elettrica, …

- Computer: qualsiasi altro dispositivo vogliate usare sul campo, ad esempio per fare subito copie di sicurezza delle foto e relativi cavi, alimentatori, ...

- Accessori: un seggiolino pieghevole, bottiglietta d’acqua, viveri, ...

imagesPer i lavori importanti è bene assicurarsi prima di partire che il sensore della DSLR sia ben pulito e in molti modelli l’unica possibilità di accedere al sensore è tramite una batteria totalmente carica. Due controlli in uno!

La pulizia del sensore

Materia di grattacapi, perplessità e talvolta di psicodrammi, la pulizia del sensore di una DSLR rimane un’attività fondamentale nella fotografia timelapse, ancora più che nella fotografia ordinaria. Questo fenomeno è diffuso tra le DSLR per via del frequente cambio di obiettivi, mentre è pressoché assente in fotocamere di altro tipo. Il sensore è sporco quando vi si depositano impurità e granelli di polvere che potrebbero avere, o non avere, la tendenza a distaccarsene da soli. Fermo restando che una routine di pulizia sia del sensore che delle vostre ottiche e borse di viaggio sia opportuna e necessaria per garantire immagini pulite e attrezzatura in buono stato, nella fotografia ordinaria è sempre possibile intervenire rapidamente in post-produzione con adeguati ritocchi mirati, ma nella fotografia timelapse, su migliaia di fotografie, è tutta un’altra storia. Ancora più importante è la difficoltà insita nel correggere fotografie sempre diverse, ancorché simili. Se ad esempio il sensore è sporco in prossimità del passaggio di nuvole in un cielo terso, potremmo andare incontro a un laboriosissimo lavoro di editing, senza certezza dei risultati.

Figura 4.1: un sensore sporco lascia segni evidenti sull’immagine, soprattutto a diaframma chiuso (qui a f/16)

Oggi è possibile affrontare da soli la pulizia del sensore con un minimo di accortezza e di buona manualità tramite bombolette di aria compressa per aspirare le impurità e tampocini speciali per la pulizia a diretto contatto con il sensore. Se non avete cuore di farlo di persona potete ricorrere ai servizi di pulizia professionali presso il vostro centro fotografico di fiducia. Numerosi modelli di DSLR oggi hanno una funzione dedicata alla pulizia automatica del sensore (tramite «microscuotimenti» interni) che può dare buoni risultati in molti casi. Consiglio però di avere sempre a disposizione un kit di pulizia e di verificare lo stato del sensore prima di un viaggio o della vostra prossima impresa fotografica.

imagesSe è fondamentale tenere pulito il sensore, è importante tenere pulito anche il resto dell’attrezzatura: in primis, per evitare che il sensore si sporchi! Le fotocamere amatoriali o semiprofessionali offrono diversi livelli di «tropicalizzazione», ovvero di protezione dagli agenti esterni (polvere, umidità). Oltre alla raccomandazione di non rotolare la vostra attrezzatura nella sabbia… vige la regola d’oro di pulire con regolarità obiettivi, fotocamere e borse.

Le schede di memoria

Le schede di memoria sono i vostri rullini. Se non avete mai caricato un rullino in una macchina fotografica significa che siete vergognosamente giovani. Ma sto divagando. Le schede di memoria sono le vostre fotografie. Trattatele con la dovuta importanza! Ecco alcuni suggerimenti:

- Utilizzate sempre schede di memoria formattate (cioè vuote) e pronte all’uso. A questo proposito, formattate sempre le schede tramite la fotocamera. Non eliminate mai i singoli file in una scheda di memoria tramite il computer: alcuni dati non visibili potrebbero sopravvivere causando confusione nella lettura della scheda da parte della fotocamera. Consiglio inoltre di cancellare il meno possibile singole immagini dalla fotocamera, al fine di allungare la vita della scheda (meno scritture/letture, più durata). Avrete tutto il tempo di cancellare o non importare nel computer le immagini di prova e altri scarti. E naturalmente, prima di decidere di formattare una scheda, assicuratevi che il contenuto sia già stato copiato in un paio di dispositivi (computer, disco esterno): motivo in più per compiere questa azione a casa, dove potrete controllare con calma.

- Non confondetevi tra schede di memoria Vuote, Piene ma da formattare, Usate per timelapse, Usate per altro, Non cancellare assolutamente, Tenere, Controllare cosa contiene, ecc. ecc. Uscite sempre con schede vuote, se possibile, e cercate di non mescolare lavori di altro tipo con sequenze di timelapse. Questo potrebbe indurvi ad acquistare più schede, ma dovrete fare più attenzione a come le gestite. Non è difficile: io uso un piccolo porta-documenti con due finestrelle trasparenti su cui ho scritto: Schede vuote e Schede con lavori. Potete anche utilizzare etichette di vario colore, oppure voltare a faccia in giù le schede usate… qualsiasi cosa le contraddistingua. Nella realtà, mi accade spesso di utilizzare solo le due schede vuote già inserite nella fotocamera, senza preoccuparmi di altre schede.

- Se la vostra fotocamera dispone di più slot per le schede di memoria, avete varie possibilità di utilizzo, ad esempio scrivere file RAW sulla prima scheda e JPEG sulla seconda (opzione per testare la qualità RAW e avere i JPEG di scorta, ma attenzione quando scattate in RAW: il buffer della fotocamera potrebbe «intasarsi» presto e saltare qualche fotogramma) oppure scrivere in sequenza sulle schede. In ogni caso, siete voi a dover impartire una o l’altra opzione alla fotocamera, perciò non aspettatevi che, finita una scheda, la fotocamera passi automaticamente a riempire la seconda! Verificate l’impostazione corrente prima di rischiare di vedere una sequenza interrompersi sul più bello.

- Se siete in viaggio, lontani da casa, potreste voler portare con voi un computer o altra attrezzatura per creare il prima possibile copie di sicurezza delle fotografie scattate. Ad esempio, potete affidarvi a lettori di schede di memoria, molto utili, se non addirittura fondamentali, se state producendo migliaia di foto su numerose schede.

Tenere ferma la fotocamera

Siete arrivati sul posto per il vostro timelapse panoramico. La prima preoccupazione sarà di trovare il luogo adatto da cui fotografare e la successiva sarà di assicurarsi che la vostra postazione sia stabile, comoda e sicura.

A volte basta molto poco ad alterare l’inquadratura: un podista che fa jogging sul vostro pontile, un autobus o un mezzo pesante che transita sul vostro ponte, o persino voi stessi che camminate accanto al treppiede piazzato su zolle erbose o terreno molto morbido. Non sottovalutate poi la forza del vento (anche se vento, in quel momento, non c’è) in relazione all’estensione del treppiede in altezza, alla posizione della fotocamera e alla somma di eventuali accessori.

In certi casi è consigliabile estendere il treppiede il meno possibile, anche se una posizione troppo bassa potrebbe rivelarsi scomoda, ma in zone ventose è spesso inevitabile. In questi casi lo strumento più utile a disposizione è un mirino angolare (se ne trovano di validi a basso prezzo anche non di marca). Più sarete esposti al vento, più le possibilità di rovinare un timelapse aumentano! Cercate se possibile protezione dagli elementi, soprattutto in climi imprevedibili. E se utilizzate un intervallometro esterno, curate di non lasciarlo penzolare!

imagesSe utilizzate obiettivi dotati di sistemi elettronici di stabilizzazione dell’immagine è imperativo che disattiviate questa funzione!

In caso di forte vento o di treppiede poco robusto potete legare un peso alla base dell’elemento verticale del treppiede o zavorrarne i piedini. Molto utili sono i sacchi che fotografi e cineasti utilizzano per zavorrare stativi di vario tipo. Sono prodotti professionali e se non li trovate in commercio una valida alternativa è offerta dai cuscini ortopedici… o da sacchetti di sabbia fatti da voi opportunamente sigillati.

L'inquadratura

Dopo avere collocato la fotocamera dovrete prendere una serie di decisioni sull’inquadratura che spettano solamente a voi e al vostro gusto personale.

Abbiamo visto come le risoluzioni di foto e video siano differenti: considerate quindi già da ora un’inquadratura prevedendo il risultato finale (ad esempio in 16:9) e l’opportunità di zoomare o spostare artificialmente l’immagine nel corso del video.

Lasciare un po’ di spazio in più nell’inquadratura vi sarà di aiuto anche nel caso dobbiate correggere l’inclinazione in fase di post-produzione (una bolla può aiutare, ma quante foto «storte» si realizzano anche così! Se l’orizzonte è sgombro spesso ci si accorge di una differenza di meno di mezzo grado solo a cose fatte).

Leggi anche: Le dimensioni dell’inquadratura

La messa a fuoco

Fondamentale nei timelapse è fotografare con la messa a fuoco manuale: una messa a fuoco da fissare all’inizio della sequenza e da mantenere per tutti gli scatti. A questo scopo è preferibile mettere a fuoco normalmente guardando nel mirino, anche tramite autofocus, e in un secondo momento disattivare le impostazioni di messa a fuoco automatica, sia sulla fotocamera che sull’obiettivo stesso (se presenti). A questo punto potete ritoccare a mano la messa a fuoco aiutandovi anche con la modalità Live View (in tutti i modelli è infatti possibile zoomare artificialmente l’immagine). Questi accorgimenti sono importanti con le DSLR moderne, che hanno… venduto l’anima della messa a fuoco manuale in favore dell’autofocus superveloce.

imagesA seconda dell’obiettivo usato potrebbe essere una buona idea applicare del nastro adesivo sulla ghiera della messa a fuoco: solo un’accortezza in più per non modificare inavvertitamente la messa a fuoco a sequenza iniziata.

E se invece volete modificare la messa a fuoco durante la sequenza? Nessun problema, anzi, diventa ancora più necessario utilizzare la messa a fuoco manuale, possibilmente con un obiettivo di anni fa, quando l’autofocus non esisteva e la ghiera della messa a fuoco era davvero ergonomica (a differenza di quelle di oggi, sempre che i vostri obiettivi ne abbiano una!). Per modificare la messa a fuoco bisogna soprattutto fare attenzione a non impartire vibrazioni alla fotocamera, spostando la ghiera con millimetrica delicatezza durante gli intervalli tra gli scatti. Un cambio di fuoco può essere più o meno repentino, in base ai vostri gusti: lento sarà della durata di 1 secondo circa (durata nel filmato finale: quindi ad esempio nell’arco di 24 scatti); veloce sarà di circa 1/3 di secondo, quindi circa 6-8 scatti. Un cambio improvviso, da uno scatto al successivo, potrebbe invece apparire troppo brusco a seconda delle situazioni. In ogni caso questa operazione va preparata in anticipo, in modo da sapere quanto sfocare. Se la ghiera è molto corta potreste avere difficoltà nel dosare la mano. Anche in questo caso troviamo un buon alleato nella tecnologia del cinema applicata alle nostre DSLR (con buona pace di chi si ostina a dire che non c’è futuro per il video nelle DSLR). La figura 4.2 mostra un meccanismo di follow focus applicato a un Nikkor 35-70 f/3.5, un obiettivo storico con quasi 180° di rotazione della messa a fuoco. Il follow focus prevede anche la possibilità di contrassegnare le posizioni. In figura, notate i punti sul disco bianco, applicati con un pennarello ad acqua, preparati per un cambio di fuoco manuale in 8 scatti, da infinito a 10 metri.

Figura 4.2: un modello D|Focus per il follow focus su DSLR. Molto utile nelle riprese video, lo è anche ai timelapser per ottenere un accurato cambio di fuoco durante una sequenza. Sistemi di follow focus esistono per tutte le tasche, da quelli fatti in casa fino ai sistemi professionali comandati a distanza.

L’esposizione

La scelta dell’esposizione è tra manuale e automatica a priorità. L’esposizione manuale è preferibile in condizioni di luce costante. Un cielo coperto o sereno in modo uniforme, ad esempio, nel mezzo del pomeriggio. L’esposizione automatica ci viene in soccorso quando le condizioni di luce varieranno sicuramente durante la sequenza: sto pensando a tramonti e albe, nelle quali la variazione di luce (o, parlando in termini più tecnicamente fotografici, la gamma dinamica della scena) cambia troppo drasticamente per poter lasciare inalterate le impostazioni di esposizione. L’utilizzo dell’esposizione automatica può creare altri tipi di problemi, ad esempio lo sfarfallio, da risolvere in fase di post-produzione.

Strettamente correlate all’esposizione vi sono altre tre impostazioni in grado di causare il problematico «sfarfallio» nel nostro video finale: l’impostazione ISO, il bilanciamento del bianco e la stabilizzazione dell’immagine. Queste opzioni non devono essere automatiche! Lasciare questa selezione al giudizio della fotocamera non produrrà mai risultati uniformi. Le prime due sono da specificare tramite i menu della fotocamera, impostandole in manuale, la terza potrebbe essere disattivabile sia dall’obiettivo che dai menu della fotocamera, a seconda dei modelli.

Figura 4.3: timelapsando in bicicletta, pedalando senza fretta… Questa sequenza è stata scattata con una Nikon D7000 e un Tokina 11-16 mm… quasi un chilo e mezzo di peso sul manubrio! Ho utilizzato il nano clamp della Manfrotto che vedete anche in questa figura e una corda di emergenza che assicurava la fotocamera da cadute. Una strada liscia e ben asfaltata ha fatto il resto.

Un caso a sé stante è la ripresa di timelapse in movimento, da una macchina o da una bicicletta: molto probabilmente attraverserete zone in ombra e altre in piena luce, sotto gli alberi, con il sole dentro o fuori l’inquadratura e così via. Queste situazioni sono imprevedibili e sono più adatte a un’esposizione automatica. Ma ogni situazione è diversa! Dovrete fare affidamento sulla vostra esperienza (e pertanto… anche sugli errori!).

Se scegliete l’esposizione manuale, il modo da scegliere è, beh… Manuale. («M» sulla ghiera dei modi di pressoché tutte le DSLR). In questo modo avrete voi il controllo su diaframma e otturatore.

Se scegliete la modalità automatica avete a disposizione quella a priorità dei diaframmi (ghiera dei modi A su Nikon, Av su Canon) e quella a priorità dei tempi (S su Nikon, Tv su Canon). Nella fotografia timelapse è preferibile la priorità dei diaframmi principalmente a causa del problema dello sfarfallio.

Una quarta possibilità di esposizione è data dall’utilizzo della cosiddetta «posa B». La B sta per Bulb, perché un tempo (ma tanto, tanto tempo fa) l’otturatore veniva fatto scattare tramite un flessibile la cui estremità terminava in un pulsantino («bulb») da tenere premuto fin tanto che si desiderava che la luce impressionasse la pellicola. La posa B è comunque utilizzabile anche per tempi più brevi, anche sotto al secondo (nelle fotocamere professionali arriva a 1/30s) ed è la scelta per coloro che desiderano provare la tecnica avanzata di «bulb ramping» in casi di luce difficile come nei passaggi tra notte e giorno.

Profili di immagine

Quasi tutte le DSLR di oggi offrono la possibilità di fotografare con vari «profili» predefiniti che offrono un trattamento dei colori personalizzato (più vivido, più saturo, più «adatto» a un panorama o a un ritratto, e così via). In linea di massima, se scattate in JPEG sapete che non avrete molte possibilità di manovra nel modificare toni e colori in fase di post-produzione: la scelta del profilo e quella dell’esposizione sono quindi molto importanti. Se viceversa scattate in RAW la vostra migliore opzione è di mantenere un profilo che sia il più neutro possibile (neutro, cioè, rispetto alle impostazioni proprie della fotocamera) nei confronti di parametri quali nitidezza, contrasto, luminosità e saturazione. Questo perché è più facile correggere un file RAW cosiddetto «piatto» che un file RAW con zone dell’immagine «estreme» in fatto di esposizione (zone «bruciate» con alte luci eccessive, ad esempio) e di saturazione dei colori. In alcuni modelli di fotocamere il profilo di colore può far parte delle impostazioni personalizzate, pertanto consiglio di arrivare sul campo con un’idea del profilo da utilizzare e, se scattate in RAW, di specificare un profilo neutro.

images…Volete tutte queste impostazioni disponibili in un battito di ciglia? Alcuni modelli di DSLR sono dotati di modi utente (ad esempio i modi U1 e U2 su Nikon D7100). Si tratta di due modalità in cui memorizzare impostazioni di vostra scelta. Io li utilizzo entrambi: U1 per i timelapse e U2 per i video. Ad esempio, nel modo U1 ho specificato il formato JPEG Fine, il controllo del diaframma tramite ghiera dell’obiettivo, ISO 100, scatto 1/60s, esposizione manuale, misurazione esposimetrica Matrix. Ogni volta che sposto la ghiera dei modi in posizione U1, ritrovo queste impostazioni, che sono poi libero di modificare sul momento.

Altre cose, molto tecniche

Prima di iniziare a scattare c’è un’ultima incognita da considerare: il cosiddetto buffering. Ne ho dato la spiegazione parlando delle schede di memoria. In breve, dovete essere sicuri che, ad esempio scegliendo il formato RAW e intervalli brevi, la fotocamera sia in grado di gestire la scrittura dei file mentre procede con gli scatti in sequenza. Le fotocamere di fascia media con schede di classe 6 o inferiore danno risultati difformi tra loro ed è bene arrivare sul campo con una buona dose di test già effettuati (la combinazione RAW + 1 o 2 secondi di intervallo è molto a rischio di esaurimento del buffer di memoria).

Sempre in materia di scatti RAW, la vostra fotocamera potrebbe scattare file RAW compressi (nelle Canon, questi file vengono contrassegnati come sRAW e consentono di usare un terzo dello spazio di un normale file RAW) e potrebbero darvi la possibilità di modificare la profondità in bit dei file. Se ne avete la possibilità, scegliete pure 12 bit, anziché 14 bit. Così facendo risparmierete spazio su disco senza compromettere la qualità delle immagini. Per maggiori dettagli vedete il capitolo sull’eterno dilemma tra JPEG e RAW.

E un’altra cosa ancora: se siete soliti visionare ogni foto che la fotocamera vi presenta alacremente sul suo display dopo ogni scatto, nei timelapse dovrete farne a meno: il consumo della batteria ne gioverà. Anche questa opzione è presente in tutte le DSLR tramite menu.

Impostare l'intervallometro

L’impostazione dell’intervallometro è la faccenda più facile in tutta questa storia del timelapse!

I modelli variano, tra interni ed esterni, ma in genere l’impostazione è l’ultima cosa da fare prima di avviare la sequenza (per meglio dire, rappresenta l’avvio stesso della sequenza).

I passaggi sono semplici: specificare il numero di immagini da scattare, specificare l’intervallo tra scatti e decidere se fare partire la sequenza subito oppure darle una precisa ora d’avvio.

L’ordine delle operazioni mostrato in figura è quello con l’intervallometro interno della Nikon D7000.

Figura 4.4: la voce di menu all’interno del menu di ripresa.

Figura 4.5: la schermata di riepilogo, che però è la prima ad apparire. Premete la freccia verso destra sul selettore della fotocamera per procedere con la schermata successiva.

Figura 4.6: specificate l’intervallo (ore, minuti, secondi). Qui ho specificato 2 secondi.

Figura 4.7: specificate il numero di scatti. Sulla D7000 il massimo è 999 (non dispone dell’opzione «infinito»). Lasciate sempre su 1 il valore dopo la x. Significa che in questo modo scatterete una sola foto alla volta.

Figura 4.8: premete OK per avviare la ripresa.

Per interrompere la ripresa spegnete la D7000. Per riavviarla con le stesse impostazioni, una volta tornati al menu Riprese intervallate avrete l’opzione «Riprendi» per sfruttare le impostazioni già pronte (ma ripartirete dal conteggio interrotto in precedenza). In alternativa, impostate nuovi parametri e ricominciate da zero.

Scattare!

Se avete letto tutto l’eBook di fila sarete arrivati qui chiedendovi: ma quando si scatta?!

…Ci siamo quasi! Dopo avere scattato alcune foto di prova, quando siete pronti a iniziare scattate una foto coprendo l’obiettivo, o con voi nel mezzo che fate il segno di OK o quel che vi è più comodo. Quando terminate una sequenza abituatevi a scattare una seconda foto finale di questo tipo. In questo modo, quando importerete la sequenza nel computer sarà più facile isolare gli scarti, le foto di prova e soprattutto l’inizio e la fine delle varie sequenze scattate in uno stesso giorno. Fate attenzione in questa fase a non modificare accidentalmente la messa a fuoco o altri parametri!

Figura 4.9: separate scatti di prova e sequenza vera e propria tramite un segnale visivo. Basta la mano davanti all’obiettivo. In questo modo quando importerete migliaia di foto nel computer troverete a colpo d’occhio il vero inizio di una sequenza.

E ora… si dia inizio alla sequenza! Non c’è altro da fare, se non vigilare e rilassarsi. Ho solo un paio di suggerimenti:

- Il rumore continuo e regolare dell’otturatore attira i curiosi. Sì, solitamente proprio lì, dentro l’inquadratura. La prima volta che mi è capitato è stato con alcuni cavalli, il che è anche comprensibile. Ho sottratto la fotocamera giusto in tempo da sotto il loro ruvido muso curioso. Con le persone è un po’ diverso, ma avere estranei nel campo inquadrato che vi chiedono cosa state combinando è scocciante. Esaminate bene il luogo in cui volete appostarvi, prendendo in esame il passaggio di curiosi, animali, bambini e, naturalmente, eventuali avvisi di proprietà privata e divieti di accesso o di utilizzo del treppiede.

- Scattate più fotogrammi. Più di quanti avete pianificato e calcolato. Spesso ci si trova a visionare la fine di un filmato e pensare «se avessi continuato a scattare per avere ancora qualche secondo…» Di più è sempre meglio che di meno. Se avete spazio e tempo a disposizione, non stateci a pensare: scattate più a lungo.

Leggi anche: …la checklist con tutti i passaggi riassuntivi!

Il nemico di ogni timelapse: lo sfarfallio

Dal vostro duro lavoro sul campo vi aspettate un brillante filmato carico di luce e di colore, proprio come lo sognavate. E invece… i colori ci sono, la luce anche, la spettacolarità farà l’invidia degli amici, ma… a tratti sembra di assistere alla proiezione di una vecchia pellicola: l’immagine sfarfalla! Ora è chiara, ora è più scura, di poco, di pochissimo, ma si vede! E al fotogramma successivo è più chiara, poi è più scura, e così via.

State assistendo a un evidente fenomeno di sfarfallio («flickering» in inglese), un problema che guasta i timelapse di tutto il mondo. Consiste in brevi e fastidiosi cambi di luminosità tra un fotogramma e l’altro del vostro video finale.

Lo sfarfallio è riducibile in fase di ripresa con alcuni accorgimenti. Purtroppo non vale l’abusata frase «se lo conosci lo eviti» perché anche i migliori professionisti del timelapse non riescono ad evitarlo del tutto. Ma conoscerlo è un imperativo per capire come attenuarlo sul campo o in fase di post-produzione. L’entità di questi cambi di luminosità può far sì che si renda necessario intervenire in fase di post-produzione, la qual cosa succede spesso, tanto da diventare prassi consolidata in questa fase del lavoro, ma contenere il fenomeno è possibile.

imagesNon confondete lo sfarfallio con il repentino mutamento della luce, ad esempio dovuto al sole dietro le nuvole. Il primo è fastidioso e artificiale, il secondo no!

A provocare lo sfarfallio vi sono cause meccaniche e cause dovute all’esposizione. Partiamo da quest’ultima: se state fotografando con un modo di esposizione automatica, la fotocamera si adatterà a eventuali cambiamenti di luce in modo automatico (è esattamente quello che volete, ad esempio davanti a un’alba o un tramonto). Sappiamo però che la fotocamera non funziona come i nostri occhi e il nostro cervello e l’esposizione che dovrà calcolare sarà per forza di cose «a gradini». Specificamente, questi gradini nelle attuali DSLR sono di 1/3 di stop (nelle macchine più evolute e professionali arrivano a 1/8 di stop) e per quanto possano sembrarci piccoli, sono tali da lasciare segni evidenti una volta assemblato l’intero timelapse.

imagesQuando parliamo di esposizione automatica, stiamo considerando sia la priorità di tempi, che quella di diaframmi. Se consideriamo anche le cause meccaniche dello sfarfallio (vedi sotto), possiamo considerare la priorità di diaframmi leggermente più vantaggiosa per ridurre il flickering.

Altre impostazioni automatiche potrebbero comportare lo stesso sgradito effetto, in particolare l’impostazione automatica dell’ISO e il bilanciamento automatico del bianco.

Le cause di tipo meccanico incidono meno sul risultato finale e si presentano anche esponendo manualmente. Da un lato abbiamo variazioni fisiche nello scatto dell’otturatore. In parole semplici, il tempo impostato sulla vostra fotocamera non potrà mai essere fisicamente assolutamente perfetto, nonostante l’avanzatissima tecnologia che lo governa. Tempi come 1/800 di secondo potrebbero in realtà scostarsi di pochi millisecondi, e risultare in realtà 1/795 o 1/810 di secondo. Roba minima, s’intende… ma anche in questo caso in grado di causare sfarfallio nel filmato finale. Questo fenomeno meccanico è tanto più pronunciato quanto più rapido è l’intervallo di scatto. Gli esperti sono tutti concordi nel ritenere un tempo di 1/60 di secondo o più lento sufficiente a eliminare il problema.

La seconda causa meccanica risiede nella chiusura del diaframma. Con l’avvento dell’elettronica in fotografia, le fotocamere hanno iniziato un percorso evolutivo che ha mutato alcuni gesti tipici del fotografo. Uno di questi è l’azionamento della ghiera dei diaframmi, che è passata dal corpo dell’obiettivo alle ghiere sul corpo della fotocamera, grazie ai contatti elettronici e a una minuscola levetta sull’innesto dell’obiettivo. In questa configurazione «moderna» il diaframma è sempre in posizione di apertura massima per consentirvi la visione più chiara possibile nel mirino e solo al momento dello scatto la fotocamera impartisce l’ordine di chiusura al valore impostato. A scatto effettuato, il diaframma torna alla posizione di massima apertura. Lo potete verificare voi stessi visivamente: scegliete un diaframma chiuso e un tempo molto lungo di otturatore e guardate dentro l’obiettivo mentre scattate: vedrete «comparire» il diaframma per la durata della foto, e poi «scomparire» di nuovo. Ora, questa descrizione meramente tecnica serve a rendere più accettabile il fatto che il flickering avviene anche a causa del nostro (altrimenti innocente) diaframma, e precisamente nei lievi scostamenti meccanici rispetto all’apertura desiderata, pari a quelli visti prima con l’otturatore. Un’apertura maggiore sarà meno esposta a questi difetti fisiologici.

imagesIl meccanismo diaframma/otturatore è visibile al rallentatore in questo video su Youtube. Non è importante il «fluttuare» del diaframma perché avviene prima dell’apertura dell’otturatore: a interessarci sono le minime variazioni nella sua posizione finale.

Vi ho spaventato con le cause del flickering, spero di tranquillizzarvi ora dandovi alcune soluzioni:

- Provate a esporre manualmente. La cosa potrebbe comportare sfide di altro tipo se stiamo fotografando ambienti in luce variabile o incostante, ma rimane l’opzione più consigliata in tutte le altre situazioni.

- Se l’esposizione manuale è difficoltosa, fotografate con priorità di diaframmi (ghiera dei modi A su Nikon, Av su Canon).

- Utilizzate una misurazione esposimetrica valutativa (Matrix su Nikon, multizona iFCL su Canon) e non una misurazione spot o ponderata.

- Una volta pronti, chiudete il mirino con l’apposito coprioculare o nastro adesivo (certe fotocamere più evolute potrebbero avere un sistema di chiusura elettronico, consultate il manuale d’uso dell’apparecchio).

- Utilizzate il più possibile diaframmi «pieni», cioè gli unici che si conoscevano prima dell’avvento dell’elettronica in fotografia: f/2.8, f/4, f/5.6, f/8, f/11, f/16, f/22.

- Utilizzate, nei limiti dei vostri intenti e delle ottiche, la massima apertura dell’obiettivo oppure non chiudete oltre f/8 (approfittatene: eventuale polvere sul sensore sarà meno evidente!).

- Scattate, nei limiti del possibile, con otturatore a 1/60s o comunque sotto 1/100s (approfittatene: uno scatto relativamente lungo «ammorbidisce» i piccoli movimenti nell’inquadratura in favore di un’uniformità che risulterà evidente a timelapse ultimato).

- Per accomodare queste richieste invasive della vostra libertà espressiva (aprite tutto il diaframma! scattate a 1/60s! muoversi, muoversi, scattare, scattare!) potete ricorrere ai filtri ND e cercare un equilibrio tra esigenze meccaniche e artistiche.

- Utilizzate, se potete, obiettivi manuali privi di contatti elettronici, ma accertatevi che la vostra fotocamera sia in grado di supportare quello specifico obiettivo (altrimenti vi ritroverete a scattare «alla cieca»; e accertatevi che l’utilizzo del diaframma possa avvenire liberamente. Questo vincolo è causato in alcuni modelli (purtroppo in tutti i modelli Nikon) da un’apposita levetta sul corpo della fotocamera. Per verificare se siete in grado di usare liberamente il diaframma è sufficiente guardare nell’obiettivo: se ruotando la ghiera del diaframma vedrete il diaframma muoversi, siete a cavallo.

imagesCon obiettivi dotati di contatti elettronici non è sufficiente «sganciare» il controllo del diaframma dell’obiettivo imponendo alla fotocamera di utilizzare la ghiera sull’obiettivo, anziché quella sulla fotocamera (ad esempio, su Nikon D7000, è l’opzione di personalizzazione f6: «Personalizzazione ghiere» > «Impostazione diaframma» > OFF). Questa soluzione, in altre parole, è puramente ergonomica. A prescindere dalla ghiera utilizzata, obiettivo e fotocamera «dialogano» in ogni caso, e il processo di chiusura del diaframma illustrato sopra avviene comunque.

- Disattivate i contatti tra obiettivo e fotocamera. Questa soluzione fisica va attuata con estrema cura. Si tratta di disarticolare quanto basta (veramente di poco) l’obiettivo dalla fotocamera in modo che quest’ultima non dialoghi con l’obiettivo e non vada a intervenire ogni volta sull’apertura del diaframma, come spiegato sopra. Questo intervento è possibile con qualsiasi tipo di obiettivo. Procedete così: impostate il diaframma desiderato, quindi premete il pulsante (se presente) della profondità di campo sul corpo della fotocamera e, tenendolo sempre premuto, premete anche il pulsante di sblocco dell’obiettivo e ruotate l’obiettivo di pochissimo, in modo tale da interrompere la connessione elettronica senza compromettere l’aggancio con il corpo macchina. Fiù. Non un’operazione per i deboli di cuore: ma dovete ruotare solo di pochi gradi l’obiettivo, lasciarlo in quella posizione per tutta la durata degli scatti e ricordarvi di riposizionarlo prima di maneggiare nuovamente la fotocamera (io applico un nastro adesivo rosso sull’obiettivo come promemoria). Sconsiglio questa operazione con teleobiettivi di grosse dimensioni o a fotocamera inclinata. Tra gli svantaggi di questa opzione, oltre alla sua delicatezza: in ambienti polverosi o ventosi o carichi di umidità potrebbero entrare particelle, polvere o condensa nel corpo macchina, e inoltre le foto scattate saranno prive di dati EXIF (o presenteranno dati corrotti o incompleti).

imagesI dati EXIF sono informazioni aggiuntive sulle fotografie, come apertura, tempo di scatto, obiettivo usato, data, metodo di misurazione dell’esposizione e così via. Per non perderli pur utilizzando la tecnica riportata qui sopra, scattate prima una foto di prova in condizioni normali da usare come riferimento.

- Non date eccessiva importanza al flickering laddove non lo merita! Se è lieve, è sopportabile. Se siete ai vostri primi timelapse, avrete modo di concentrare i vostri sforzi su lavori più accurati in futuro.

Leggi anche: Risolvere lo sfarfallio (in post-produzione)

La post-produzione

Sequenza delle operazioni

In questa sezione ho scelto di approfondire in dettaglio la procedura che uso abitualmente per importare le foto di una sequenza timelapse anche se riguarda un programma software ben specifico di cui potreste non considerare l’acquisto. Il metodo segue una sequenza comune a tutti i lavori di timelapse, ma l’utilizzo del mio software di riferimento, Adobe Photoshop Lightroom (arrivato alla versione 5), copre ogni specifica esigenza ed è utile a offrirvi uno spaccato di tutti i passaggi necessari, che sono:

- Gestire e importare le foto: le sequenze di timelapse sono composte da migliaia di file di immagine, che sarà importante conservare e rinominare in modo ordinato.

- Ritoccare le foto: con interventi globali da applicare a singole foto da estendere poi a tutta la sequenza in modo automatico.

- Risolvere eventuali problemi di sfarfallio: trovando un nostro paradigma di lavoro che ci faccia seguire questo passaggio in modo rapido e… indolore, utilizzando il software più adatto allo scopo.

- Convertire la sequenza in formato video: seppur privi di competenze video, ce la faremo!

- Aggiungere musica e proseguire con montaggio ed effetti video (per esperti).

Gestire e importare (migliaia di) foto

Nel corso di un’uscita fotografica scatterete molto probabilmente più sequenze di timelapse, incluse prove e sequenze non riuscite. Il nostro scopo ora è scaricare tutto dalla scheda di memoria, copiare le foto nel computer e suddividerle nelle sequenze su cui lavoreremo. Questa procedura vale sia se abbiamo in mente di ritoccare le foto, sia se le sequenze sono pronte a essere convertite in video.

Per prima cosa, è necessario tentare di raggruppare tutti i lavori di timelapse in una cartella principale, sia che lo facciate a mano o che sia il risultato di una procedura di importazione con programmi specifici. Copiate tutte le foto in cartelle che abbiano senso per voi, ad esempio:

C:\Foto\Timelapse\2013\130108-MonteBianco\MonteBiancoSeq1

C:\Foto\Timelapse\2013\130108-MonteBianco\MonteBiancoSeq2

…eccetera.

Se utilizzate programmi di gestione/archiviazione potete utilizzare una sola cartella per sessione e suddividere le sequenze in cartelle virtuali (raccolte, gruppi, rullini o simili) dentro il programma.

Se utilizziamo Adobe Photoshop Lightroom, è estremamente utile (per non impazzire, non per altro) utilizzare un catalogo dedicato ai timelapse poiché importeremo ogni volta centinaia o migliaia di immagini. In questo modo potremo lavorare con più tranquillità senza mescolare i timelapse ad altri lavori di diversa natura.

imagesAdobe Photoshop Lightroom (per gli amici, Lightroom) è un programma potente e ingannevolmente semplice. La realtà è che se vogliamo sfruttare tutte le sue potenzialità la parola «semplice» non sarà la prima a venirci in mente… Se avete un po’ di confusione nelle vostre cartelle fotografiche in Lightroom (succede spesso) sarà ancora più importante dividere i lavori di timelapse dedicando loro un catalogo apposito e mantenere tutto il resto della produzione fotografica in un altro singolo catalogo.

Come fare in Lightroom: scegliete File > Nuovo catalogo, quindi specificate un nome per il catalogo, meglio se nella stessa cartella di cataloghi esistenti. Se siete in dubbio, cercate nel vostro computer i file con estensione «.lrcat».

Collegate la fotocamera al PC o inserite la scheda di memoria nell’apposito slot del computer. Per impostazione predefinita, Lightroom apre la schermata di importazione. Se non dovesse accadere, specificate questo comportamento automatico di Lightroom nelle Preferenze, sotto la scheda Generali, selezionando la voce Mostra finestra di dialogo di importazione quando viene rilevata una scheda di memoria, quindi riprovate.

Nella parte superiore della schermata potete scegliere tra «Copia» e «Copia come DNG» se state importando file RAW o solamente «Copia» se state importando file JPEG. Altre opzioni riguardano l’importazione da cartelle presenti sul PC. «Copiare» i file significa semplicemente creare una copia di quelli presenti sulla scheda e trovare loro una collocazione nel computer. I criteri di questa copia sono numerosi. Di seguito vi offro una possibile soluzione di lavoro:

Figura 5.1

…e figura 5.2: criteri di importazione di una sequenza timelapse in Lightroom.

1. Specificate una seconda copia dei file se avete un disco rigido esterno collegato al computer. Questa azione è puramente di backup, serve cioè a creare un’ulteriore copia di sicurezza di ogni immagine da conservare a parte e, si spera, dimenticarsene (perché tutto andrà bene nel nostro computer e non dovremo mai utilizzare le copie di sicurezza…).

2. Specificate un nuovo nome per i file. Con il tempo ho imparato che questa semplice azione applicata a tutti i lavori di timelapse semplifica molto il lavoro. Lightroom vi dà numerose possibilità di denominazione dei file (con data, testo vostro, sequenze numeriche e così via). Io ho adottato un sistema data-TL-testo-sequenza, per cui la prima fotografia importata diventerà, ad esempio:

130727-TL-Svezia-001.jpg

La dicitura «TL» differenzia i lavori di timelapse dai lavori normali; la sequenza è di tre cifre perché solitamente non supero il migliaio di foto per sessione.

3. Specificate una cartella di destinazione che sia logica e di facile accesso e, possibilmente, in una cartella principale dedicata a tutti i vostri lavori fotografici (una sola cartella «madre» semplifica di molto le cose). Io adotto un sistema di suddivisione in anni sotto una cartella «Foto» e dò alla cartella lo stesso nome usato per i singoli file. Nell’esempio sopra, si tratterà quindi della cartella:

Foto/2013/130727-TL-Svezia

Se avete realizzato, come spesso accade, più sequenze in uno stesso giorno su una stessa scheda, potreste decidere a) di creare più cartelle, ognuna per una singola sequenza; b) creare un’unica cartella e affidarvi a un sistema di raccolte in Lightroom. La prima opzione è più rigorosa, ma è anche più lunga; la seconda opzione è più rapida ma richiede di tenere bene ordinate le raccolte di foto.

4. Selezionate le foto da importare. Lightroom ha un sistema sofisticato per evidenziare e selezionare le fotografie. Nella figura 5.3 qui sotto solo le prime 6 foto sono evidenziate, ma tutte quante sono selezionate. L’importazione avverrà nei confronti delle foto selezionate (quindi tutte quelle contrassegnate con il piccolo segno di spunta).

Figura 5.3

Per impostazione predefinita, tutte le foto sono selezionate; per escludere un certo gruppo di foto, ad esempio le prime foto di prova, evidenziate la prima foto che vi interessa facendovi clic, quindi, tenendo premuto Maiusc sulla tastiera, evidenziate l’ultima foto da escludere dall’importazione e infine deselezionate il segno di spunta di una qualsiasi di queste foto evidenziate.

5. Importate le sequenze scegliendo il pulsante Importa nell’angolo in basso a destra della schermata. L’operazione richiederà senz’altro qualche minuto per essere completata. Un’intera scheda da 16 GB di circa 2500 immagini JPEG può ad esempio richiedere 10 minuti su un computer con 4 GB di RAM. Se avete scattato file RAW e li state convertendo in formato DNG (vedi box per dettagli) dovrete attendervi un ulteriore tempo di attesa.

imagesI metodi e le tecnologie di archiviazione e backup sono numerosi e troppo diversi per essere presi in esame qui. Una cosa da sottolineare è che i backup non sono mai inutili e riguardano fasi differenti del nostro lavoro. Ad esempio, è utile creare subito una copia di backup dei file prima di lavorarvi (come mostrato sopra durante la fase di importazione in Lightroom) ed è utile creare copie dei file anche dopo il ritocco e prima della trasformazione in video.

imagesIl formato DNG è un formato RAW ma a differenza di quelli realizzati da produttori di fotocamere, è «open source», cioè se ne conosce l’architettura. Qui ci interessa perché i file DNG sono più piccoli di 2/3 rispetto ai file RAW. Lightroom consente di convertire i file RAW in DNG al momento dell’importazione. Ma attenzione: una volta convertiti i file RAW della fotocamera, ad esempio i file .nef di Nikon, non potrete leggere i file DNG con altro software prodotto da Nikon. Viceversa, se un giorno esce una nuova fotocamera Nikon potreste scoprire che i vostri programmi software non leggono il suo formato RAW, a meno di installare una versione aggiornata del programma. Tipiche vicissitudini della guerra dei formati.

Quale che sia il programma di fotoritocco adottato, tenere i file in ordine è importante fino a che non avremo convertito la sequenza in formato video. Alcuni consigli:

- Rinominare ogni fotografia potrebbe essere importante nel caso utilizziamo programmi di conversione video che richiedono una sequenza numerica esatta (TL-cascate-001.jpg, TL-cascate-002.jpg, ecc.) ma è anche utile per rendere più ordinato il materiale.

- Suddividere i file in macro-cartelle (per data, o altro criterio, in base a ciò che per voi è più significativo) è importante per mantenere ordine nel lavoro svolto e ritrovare i file più facilmente.

- Utilizzare un programma di gestione dei file che consenta di dividere virtualmente i file in gruppi diversi, anche se facenti parte di una stessa cartella, è un vantaggio aggiuntivo che semplifica di molto le operazioni.

Utilizzare il programma di gestione dei file come sopra, che in più vi consenta di ritoccare le immagini e poi esportarle in sequenze ordinate è il non-plus-ultra per noi timelapser perché ci garantisce un lavoro metodico e ordinato.

Come fare in Lightroom:

La ridenominazione dei file e la suddivisione in cartelle è già parte della procedura di importazione. Se avete importato in una sola cartella tutto il lavoro di una giornata, lo potrete ora dividere in «raccolte» senza più andare a interferire nelle cartelle sul vostro computer.

- Visualizzate il contenuto della cartella appena importata scegliendo Importazione corrente nella colonna di sinistra della finestra Libreria (se nel frattempo abbiamo fatto altre operazioni, questa voce diventerà Importazione precedente) oppure scegliendo una cartella specifica sotto la sezione Cartelle. Per vedere il maggior numero di foto, consultatele in formato Griglia (non è complicato… premete «G» sulla tastiera: fatto!).

- Evidenziate le foto che intendete raccogliere insieme (nel nostro esempio, tutta un’intera sequenza scattata nello stesso giorno insieme ad altre sequenze).

- Evidenziate le foto che volete riunire in raccolta: evidenziate la prima foto che vi interessa facendovi clic, quindi, tenendo premuto Maiusc sulla tastiera, evidenziate l’ultima.

- Nella parte sinistra della schermata Libreria, scegliete l’icona indicante un «+» accanto alla voce Raccolte, quindi scegliete Crea raccolta e dalla finestra risultante specificate l’opzione Includi foto selezionate.

imagesImportante per tutti gli utenti di Lightroom: una volta aggiunte le fotografie nel catalogo, continuate a gestirle da dentro Lightroom. In altre parole: NON eliminate, rinominate o spostate i file di immagine utilizzando Esplora risorse di Windows o il Finder del Mac: il risultato potrebbe essere una certa confusione dentro Lightroom quando andrà a cercare fotografie che non sono più lì, con ripercussioni sulla vostra organizzazione, cartelle scombinate e file disordinati.

imagesE un’altra cosa ancora: se mai doveste eliminare fotografie da dentro Lightroom, prestate attenzione al messaggio che il programma vi propone: intendete rimuovere la foto dal disco rigido o solo da Lightroom? Il programma vi sta chiedendo se il file deve finire nel cestino del computer o se deve solo essere rimosso dal catalogo. Se state eliminando una foto di prova, eliminatela tranquillamente dal disco. Se pensate che la foto non vi serva nel catalogo dei timelapse, ma la volete conservare, rimuovetela solo dal catalogo, ma consiglio in questo caso anche di andare a prelevare il file di quella foto e di spostarlo in un’altra cartella o di rinominarlo prima di dimenticarvi della sua esistenza (magari vi sarà utile importarlo in un catalogo differente).

Storage e backup

Poiché parliamo di svariate centinaia di file per ogni sequenza di timelapse, saranno di fondamentale importanza lo storage, cioè l’archiviazione delle immagini (e dei dati dei file di immagine, come vedremo), e il backup, cioè l’esecuzione di copie di sicurezza su più dispositivi separati. In linea di massima, ogni lavoro fotografico è prezioso in quanto irripetibile e poiché viviamo in un epoca di immagini intangibili rinchiuse nei nostri dispositivi è buona norma avere una soluzione di archiviazione ben congegnata. A tale scopo:

- Quanto spazio avete sul vostro computer?

- Quanto spazio avete su dischi rigidi esterni?

- Quanto spazio avete su servizi di archiviazione online?

- Quanto spazio occupa una vostra tipica sequenza di timelapse?

- Quanto spazio occupa una sequenza video esportata con le vostre tipiche impostazioni?

A queste domande potreste non essere in grado di rispondere ora, ma al momento opportuno avrete a disposizione tutti i dati per capire se la vostra attuale dotazione è sufficiente ad accogliere i vostri prossimi grandiosi progetti di timelapse. Le condizioni sono diverse per ogni fotografo, ma qui posso suggerire una struttura di partenza per l’archiviazione dei lavori in grado di coprire le esigenze di base in uno scenario in cui si utilizza Lightroom come strumento polivalente per la gestione e il ritocco delle immagini:

- Create un catalogo di Lightroom dedicato ai timelapse sul PC. Specificate nelle opzioni di backup di creare copie di sicurezza del catalogo su un disco esterno, ad esempio Volume1\TL\Backup catalogo\

- Importate foto JPEG o RAW dalla scheda di memoria sempre su una cartella principale del vostro PC, ad esempio C:\Foto\TL\. Contemporaneamente, istruite Lightroom di importare le foto in una cartella su disco rigido esterno, ad esempio Volume1\TL\Backup originali\

- A ritocco ultimato, esportate le sequenze di foto direttamente sul volume esterno, ad esempio Volume1\TL\Sequenze finali\

- Lavorate al montaggio video mantenendo le sequenze di origine sul volume esterno e creando un video finale sul vostro computer, ad esempio C:\Video\TL\

- Se lo spazio inizia a ridursi drasticamente dopo qualche timelapse potete a) optare di eliminare i file che vi sono serviti per realizzare le sequenze, ad esempio mantenendo solo le foto importate in Lightroom ed eliminando quelle su Volume1\TL\Sequenze finali\ perché potrete sempre riesportarle in caso di necessità, oppure b) acquistare altro spazio in forma di dischi rigidi esterni, servizi cloud o… computer più capienti.

imagesResistete alla tentazione di cancellare file SE non avete una chiara idea di dove si trovino eventuali copie. Viceversa, se adottate una procedura coerente di archiviazione vi troverete nella migliore posizione di giudicare quanto spazio liberare per fare posto ad altre risorse, perché sapete di avere il materiale ridondante a disposizione se mai doveste pentirvi...

- Durante le varie fasi di lavorazione affidatevi a un programma di gestione dei backup tra i numerosi in commercio o gratuiti per creare copie di sicurezza dei file. Gli utenti Mac, ad esempio, possono avvalersi della funzione Time Machine compresa nel sistema operativo per copiare automaticamente il contenuto del Mac a intervalli regolari su un disco rigido apposito (non il Volume1 di questi esempi, ma un apposito Volume2).

- Il vostro lavoro è prezioso, non sottovalutate i pericoli! I dischi rigidi sono prodotti tecnologici che promettono di conservare i nostri file e… talvolta vengono meno alle promesse…

imagesNon confondete il catalogo di Lightroom con la struttura in file delle vostre immagini: stiamo parlando di due cose diverse. Il catalogo è un set di istruzioni relative alle vostre foto: metadati, preferenze, suddivisioni in raccolte e ogni singola regolazione di fotoritocco applicata a ogni singola foto: tutto questo è in forma di dati e istruzioni. I vostri file originali, invece, se ne stanno buoni buoni nella struttura di cartelle in cui li avete copiati. Pertanto, creare un backup del catalogo di Lightroom consente di copiare le informazioni relative ai file, non i file stessi. Viceversa, creare un backup della struttura dei file copia i file veri e propri e non il file del catalogo (se non è anch’esso presente in quella struttura di cartelle).

Ritoccare (migliaia di) foto

Il fotoritocco. Qui riemerge il vostro istinto di fotografi, privo di vincoli… o quasi. Seguite l’ordine di ritocco che siete abituati ad applicare alle vostre foto, se ne avete uno (l’editing fotografico non è una scienza esatta, è un’arte, e qui siete padroni in casa vostra)… con solo qualche limitazione. Ecco una sequenza possibile:

- Individuate una fotografia caratteristica all’interno della sequenza («foto campione»). Non sempre può trattarsi della prima, anche se sarebbe più comodo: infatti se la luce nella sequenza cambia molto, è più pratico andare a cercare una foto a metà sequenza e iniziare da quella il lavoro di fotoritocco.

- Ritoccate la foto campione secondo il vostro gusto, facendo attenzione a utilizzare strumenti il più possibile globali. In altre parole: utilizzate correzioni tonali, di colore, curve di livello, bilanciamento del bianco e così via, ma non pennelli, vignettature, filtri graduati o clonazioni di aree. Il motivo è semplice: questi interventi locali non possono essere facilmente ripetuti nelle altre foto perché plausibilmente in quel punto vi è inquadrato qualcosa di diverso… basta pochissimo, anche se credete che in quel punto niente si muova: la luce, la foschia, il pulviscolo potrebbero essere diversi e un intervento locale ripetuto su altre cento foto condurrà a risultati bizzarri. Strumenti come i filtri graduati potrebbero dare risultati soddisfacenti, ma non sempre. Anche apporre una vignettatura potrebbe dare risultati imprevedibili. Per aggiungere questo tipo di effetti è consigliabile aspettare di avere creato la sequenza video e agire dentro il programma di montaggio o di effetti video (un argomento per utenti avanzati che non riusciremo a trattare qui).

- Applicate tutti gli strumenti di rifilatura e raddrizzatura necessari alla foto campione (nulla vi vieta di fare prima questa correzione e poi di passare a colori e curve), sperimentando anche con i formati panoramici e applicando ora le proporzioni finali che darete al video (ad esempio 16:9). Se avete maturato esperienza con i software per i video potreste scegliere di ritardare questo passaggio a dopo la creazione della sequenza video.

- Riproducete le modifiche alla foto campione in tutte le foto della sequenza.

Come fare in Lightroom:

- Rimanendo in modalità Sviluppo sulla foto su cui avete applicato le modifiche, scegliete il menu Modifica > Seleziona tutto.

La parte inferiore di Lightroom (la striscia di foto della cartella o raccolta aperta) vi mostrerà tutte le foto selezionate (con la vostra foto iniziale «più selezionata» delle altre, cioè in colore grigio più chiaro). Sotto i parametri di correzione, a destra, comparirà il pulsante Sincronizza.

Figura 5.4: in questa immagine trovate il pulsante Sincronizza, la fotografia modificata da voi (notare l’icona che indica la presenza di correzioni) e l’evidenziazione grigia a indicare i file selezionati. La foto su cui state lavorando è evidenziata in un grigio più chiaro.

Scegliete il pulsante Sincronizza. Verrà visualizzata una finestra da cui scegliere quali parametri copiare in tutte le altre fotografie.

Figura 5.5: la finestra Sincronizza impostazioni contiene i parametri da copiare da una foto a tutte le altre foto della sequenza. Notate in questa immagine che non sono evidenziate le Regolazioni locali, gli Effetti e la Rimozione macchie perché condurrebbero a risultati imprevedibili. La scelta dei criteri dipende comunque interamente da voi!

Scegliete il pulsante Sincronizza e vagliate i risultati. Se avete dimenticato qualcosa o se il risultato non vi piace, ripetete la procedura modificando prima la foto di riferimento, quindi sincronizzando tutte le altre.

- Controllate il risultato esportando solo una manciata di fotografie in formato ridotto, per scorrerle rapidamente in sequenza (se avete tempo e siete fiduciosi del risultato, convertite un centinaio di foto in sequenza video per avere 3-4 secondi da valutare tramite i passaggi spiegati qui).

- Applicate nuovi ritocchi secondo necessità e ripetete.

Risolvere lo sfarfallio

Se siete alle prime esperienze con i timelapse, vi imbatterete sicuramente nel problema dello sfarfallio. Invece, se siete timelapser navigati… vi imbatterete nello stesso problema. Forse non sempre, se utilizzate tutte le precauzioni per evitare lo sfarfallio durante gli scatti, ma più spesso di quanto desideriate. Vi lascio qualche secondo per farvene una ragione… fatto? Vediamo allora come risolverlo con gli strumenti della post-produzione.

Lo sfarfallio è visibile solo dopo avere creato qualche sequenza di prova o tramite programmi o plug-in dedicati (un plug-in è un programma software che andrà a installarsi dentro un programma esistente). Grazie alla diffusione dei timelapse, diversi programmi dedicati al temutissimo flickering hanno iniziato ad affacciarsi sul mercato. Segnalo ad esempio il progetto italiano TLTools per Windows (gratuito) e il relativamente costoso GBDeflicker ($ 99), uno storico plug-in professionale per le applicazioni di montaggio video di Adobe (Premiere, il fratellino minore Premiere Elements e il cugino After Effects) sia per Mac che per Windows, da poco disponibile anche come prodotto a sé stante.

Come fare in Lightroom (utilizzando LRTimelapse):

Finora, il più diffuso strumento tra i timelapser in erba è stato LRTimelapse, complice il fatto che fino a poco tempo fa era gratuito. LRTimelapse funziona in abbinata ad Lightroom e consente di aggiungere altri effetti alla vostra sequenza, oltre al de-flickering (ad esempio, l’effetto Ken Burns e altri più complicati). Di seguito vi propongo una procedura rapida in LRTimelapse (versione al momento di scrivere: 2.2.1):

- La prima volta che aprite LRTimelapse dopo averlo installato, scegliete File > Preferences (in Windows) o LRTimelapse 2 > Preferenze (su Mac, dal menu del Mac anziché da quello interno di LRTimelapse). Nella finestra visualizzata, specificate la versione di Lightroom installata alla voce Process Version. Deselezionate poi la casella Set 16:9 crop when initializing sequence per mantenere il controllo delle proporzioni in Lightroom. Chiudete e riavviate LRTimelapse per applicare le modifiche.

- Aprite il modulo Libreria di Lightroom e qui selezionate tutte le foto di una sequenza da «guarire» dallo sfarfallio.

- Sempre in Lightroom, scegliete Metadati > Salva Metadati nei file.

- In LRTimelapse, individuate e selezionate la cartella che contiene la vostra sequenza, dalla struttura di cartelle a sinistra.

- Fate clic sul pulsante Play time lapse a forma di triangolo azzurro per avere un’anteprima della sequenza e valutare l’entità dello sfarfallio.

- Se avete una porzione di immagine sgombra e uniforme in cui lo sfarfallio è evidente, scegliete il pulsante Define ref. area in alto, e disegnate un rettangolo nell’immagine per consentire a LRTimelapse di concentrarsi su quell’area.

- Scegliete il pulsante Initialize. LRTimelapse «leggerà» la sequenza e indicherà la presenza di sfarfallio tramite una linea spezzata sull’immagine di riferimento.

Figura 5.6: LRTimelapse in azione

- Fate clic sul pulsante Deflicker e verificate i risultati riproducendo la sequenza. Da qui in poi avrete a disposizione numerosi criteri per regolare i livelli di luminosità e correggere il problema se dovesse persistere.

- Scegliete il pulsante xmp Save.

- In Lightroom, selezionate le stesse fotografie di prima (se non avete toccato nulla, sono ancora selezionate) e scegliete Metadati > Leggi metadati dai file. Le fotografie verranno modificate con i valori di luminosità calcolati da LRTimelapse. Siete pronti per esportare la sequenza!

Esportare la sequenza

Se avete lavorato in Lightroom per ritoccare i file (JPEG o RAW che siano) ora li dovete esportare:

- Selezionate le immagini della sequenza e scegliete File > Esporta.

Figura 5.7: il percorso di esportazione della sequenza di foto.

- Selezionate un percorso di esportazione. Tra le varie opzioni a disposizione, io preferisco Cartella specifica dove ho specificato un percorso su un disco rigido esterno apposito per i timelapse. In questo caso mi basta selezionare la casella Metti in sottocartella e specificare una nuova cartella con un nome significativo per la sequenza.

- Scegliete nuovi nomi di file in sequenza (opzione facoltativa; consigliata se utilizzate programmi di conversione video che richiedono nomi in sequenza; con il passare degli anni questa esigenza è sempre meno diffusa).

Figura 5.8: se volete, rinominate le foto in sequenza.

- Scegliete JPEG come formato e una qualità a piacere: per via degli algoritmi di compressione di Lightroom potreste ottenere buoni risultati anche con qualità del 60%-70% e dimensioni ragionevoli per i file. Provate prima con una manciata di foto, soprattutto se avete porzioni di cielo blu o colori uniformi, che sono i primi a tradire una compressione eccessiva.

- Specificate le dimensioni dei file. Potete specificare solo il Bordo lungo oppure Larghezza e altezza: in questo caso assicuratevi però di non distorcere le immagini! Se avete rifilato le foto in 16:9, potete specificare 1280 oppure 1920 pixel per il bordo lungo e ottenere così le dimensioni standard dei video HD. Mantenete pure bassa la Risoluzione, a 72 pixel per pollice.

Figura 5.9: specificate formato e dimensioni.

- Lasciate disattivate le rimanenti opzioni e fate clic su Esporta. Lightroom impiegherà qualche minuto a esportare centinaia di immagini, ma vi consentirà di proseguire il lavoro su altre foto durante questo tempo. Se invece volete fare una pausa, è il momento adatto prima di tuffarvi nella finalizzazione in formato video del vostro duro lavoro.

Leggi anche: Le dimensioni dell’inquadratura

Finalizzare in formato video

La vostra sequenza di fotografie JPEG o RAW è pronta a essere convertita in un file video: per farlo abbiamo l’imbarazzo della scelta con programmi software di vario tipo, da piccole utility gratuite a programmi professionali. Qui vi presento l’opzione con Lightroom (sì, Lightroom è in grado di fare anche questo!) e quella con la potente utility gratuita MPEG Streamclip.

Come fare in Lightroom:

Lightroom dispone del modulo Presentazione, pensato per creare emuli moderni delle proiezioni di diapositive con l’aggiunta di un commento musicale, dissolvenze e qualche semplice effetto. Qui possiamo trovare ciò che ci serve per convertire in formato video la nostra sequenza di timelapse:

- Selezionate le immagini di una sequenza.

- Scegliete Presentazione come modulo di lavoro.

- Deselezionate TUTTI i criteri nella colonna destra (tutte le varie categorie: da Opzioni fino a Riproduzione).

- L’ultimo gruppo di criteri si chiama appunto Riproduzione: qui potete specificare una Colonna sonora utilizzando un brano presente sul vostro computer e, fondamentale, la Durata diapositiva: selezionate quindi questa casella e specificate «0,0» sia per il valore Diapositive che per il valore Dissolvenze. Osservate quindi il testo sotto la foto di riferimento:

Figura 5.10: con le necessarie impostazioni ridotte al minimo Lightroom mostra che la sequenza è composta da 204 immagini, per una durata approssimativa di 10 secondi

imagesVisualizzare a questo punto un’anteprima della sequenza non ci sarà molto utile: la richiesta a Lightroom di mostrarci numerose foto al secondo supera le sue capacità, quindi l’anteprima risulterà a scatti e potrebbe ingolfare la memoria del computer.

- Scegliete il pulsante Esporta video. Dalla finestra risultante scegliete una risoluzione per il vostro video (tipicamente, 720p o 1080p per i vostri lavori migliori; se siete alle prime esperienze, provate risoluzioni minori per vedere l’effetto che fa e capire quanto tempo occorre: per 10 secondi di video potrebbero essere necessari 5 minuti su un computer con 4 GB di RAM). Il file risultante sarà di formato MPEG, con estensione .mp4.

Come fare in MPEG Streamclip:

L’applicazione MPEG Streamclip è un convertitore di formati video, è gratuita e disponibile sia per Windows che per Mac. A un primo aspetto può apparire complicata, ma i passaggi che ci interessano sono molto circoscritti:

- Scegliete Archivio > Apri file (su Mac) o File > Apri file (su Windows)

- Scegliete tutti i file della sequenza (non è necessario che i nomi dei file siano in sequenza).

- La finestra principale vi mostrerà la sequenza.

Figura 5.11: MPEG Streamclip visualizza il nome della prima foto della sequenza (in alto) e i comandi per visualizzare il video (in basso)

- Premete la barra spaziatrice sulla tastiera o il triangolo nero sotto l’immagine centrale per fare partire o arrestare il video.

- Se il video non necessita di ulteriori modifiche (musica, deflickering, colore, eccetera), siete già pronti a esportarlo.

- Per creare un video finale con la maggiore compatibilità (per il Web, su YouTube, Flickr, visualizzabile su iPhone e così via) al miglior compromesso di dimensioni/qualità suggerisco di crearlo in formato MPEG-4:

- Scegliete Archivio > Esporta in MPEG-4 (su Mac) o File > Esporta in MPEG-4 (su Windows). Verrà visualizzata questa sovraffollata finestra:

Figura 5.12: parametri di esportazione di MPEG Streamclip. Quanti ne volete.

- E qui scatta il panico? Niente affatto. Specificate la dimensione dell’immagine così come l’avete preparata (ad esempio 1280 x 720 pixel), quindi specificate 80% come qualità e lasciate inalterate le altre opzioni.

- Premete il pulsante Registra MP4, scegliete una cartella e un nome per il video e attendete i pochi secondi necessari a creare il file.

- In questa finestra sono presenti tutte le opzioni necessarie a bilanciare dimensioni e qualità del file finale. Per una qualità migliore siete liberi di sperimentare, ad esempio scegliendo il 100% della qualità e selezionando le caselle Multipasso e B-Frames. Maggiore è la durata del video, e maggiore la qualità, più lungo risulterà il processo di esportazione.

Per limitare le dimensioni del file potete sperimentare specificando un valore nella casella Limita il data rate. Per caricare il video su piattaforme come Vimeo, specificate 5000 Kbps per formati in alta definizione (HD) da 1280 x 720 oppure 1920 x 1080 pixel, mentre per filmati in definizione standard (SD) rimanete su 2000 Kbps.

Se la vostra sequenza dovrà fare parte di un vero e proprio video articolato con montaggio, titoli e altri effetti (o anche solamente con l’aggiunta di musica), a questo punto avete bisogno di creare un video che sia compresso il meno possibile o che lo sia nelle modalità gestibili dal vostro programma di montaggio video.

- Scegliete Archivio > Esporta in QuickTime (su Mac) o File > Esporta in QuickTime (su Windows). La finestra somiglierà a quella mostrata sopra, con la differenza maggiore nel pulsante Registra MOV. Ciò che vi interessa ora è il tipo di compressione: scegliendo il menu a discesa in alto nella finestra avrete l’imbarazzo della scelta. Per lavori non professionali utilizzate tranquillamente H.264 (i video delle DSLR odierne sono esattamente in questo codec). Per lavori più esigenti, ad esempio se vi appoggiate a un collega specializzato in montaggi video, un codec tra i più diffusi è Apple ProRes 422.

Una volta capito cosa implica la conversione in video e quali formati e dimensioni sono più adatti potrete sperimentare con programmi professionali per il montaggio e gli effetti video. Tra gli esperti di timelapse è di casa l’utilizzo di Adobe After Effects, un’applicazione sofisticata dall’ardua curva di apprendimento, e le maggiori suite di montaggio video oggi sul mercato (Adobe Premiere, Apple Final Cut). In genere questi programmi sono impegnativi, ma scaricabili per un periodo limitato. Se avete grandi idee per i vostri timelapse, mettetevi alla prova! I tutorial (lezioni passo-passo) in inglese sono numerosissimi sul Web e troverete supporto e informazioni anche in italiano nel forum del portale Time Lapse Italia.

...musica, maestro!

Siamo quasi alla fine del nostro lungo percorso di creazione della sequenza di timelapse. Fiù! Ne abbiamo fatta di strada. E ora?

Ora non ci resta che pubblicare il nostro video su Internet e mostrarlo agli amici. Se è finito. Cosa intendo per «finito»? Beh, per finito intendo che, sì, la vostra sequenza è completa e bella a vedersi, ma… è muta! E siamo nel XXI secolo: vogliamo davvero presentare al grande pubblico un filmato privo di qualsiasi commento sonoro?

Aggiungere una musica alla nostra sequenza è ciò che manca per completare una vera esperienza di timelapse. Se avete abilità di composizione e strumenti di registrazione, siete a cavallo: ma la realtà è che il normale fotoamatore dovrà uscire a cercare materiale utilizzabile per aggiungere musica in un programma di montaggio video (a questo scopo, i programmi di base che trovate sia in computer Windows che su Mac sono più che sufficienti).

La domanda è: dove possiamo reperire un brano musicale adatto alla diffusione su Internet?

- Un brano musicale esistente su CD o sul computer? NON seguite questa opzione, perché si tratta di infrazione delle regole sul copyright. In breve: non avete il permesso di farlo, a meno che contattiate la casa di produzione/distribuzione chiedendone il permesso (buona fortuna…).

- Un brano presente nella libreria musicale del vostro programma di montaggio video. Questi brani sono di libero utilizzo per qualsiasi vostro lavoro, in quantità illimitata. Certo, nel mondo sono già stati utilizzati da molte altre persone prima di voi, sono di varietà limitata e potrebbero non piacervi o stancarvi presto, ma hanno il vantaggio di essere gratuiti e subito disponibili.

- Un brano di pubblico dominio. Questa è la forma totalmente gratuita e libera di utilizzo di un brano musicale. Peccato che non ce ne siano molti in giro… vi rimando alla sezione di link sottostanti per informazioni su come trovarne in Internet.

- Un brano «royalty free». Uso il termine inglese perché nel cercare in Internet vi imbatterete in dozzine di siti e migliaia di brani royalty free. Ma non illudetevi: «free» non significa «gratis» e non si riferisce al costo del brano, ma al fatto che non vi siano limiti di attribuzione dei diritti di utilizzo. Si tratta in genere di brani dei quali pagherete la licenza di utilizzo, senza che dobbiate specificarne l’attribuzione nella vostra opera o elargire somme a terzi ogni volta che utilizzate il brano. Le condizioni di ogni acquisto possono variare, quindi esaminatele attentamente prima di acquistare. In alcuni casi, ad esempio, non potrete utilizzare un brano più di una volta. Inoltre i prezzi possono variare in caso la destinazione d’uso sia personale o commerciale.

- Un brano distribuito in Creative Commons. La nuova frontiera nella guerra dei copyright è il Creative Commons, un sistema nato per contrapporsi alla regola del «tutti i diritti riservati» creando un mercato basato su «alcuni diritti riservati». I brani protetti da Creative Commons sono spesso gratuiti, ma di qualità molto variabile. Probabilmente spenderete più tempo a trovare un brano adatto a voi perché dovrete fare attenzione alle condizioni di utilizzo. Infatti, a fronte della gratuità del brano, vi verrà chiesto di attribuire il lavoro e di limitarne l’uso in alcuni casi, ad esempio solo per uso personale con attribuzione di paternità (nei credits di un video o nella descrizione su una pagina Web), e così via.

Alcuni siti per le vostre ricerche musicali:

Vimeo Music Store (Creative Commons/Royalty Free). Vimeo.com è il sito Web di punta per video di qualità realizzati da aspiranti film-maker e cultori dell’immagine. Dispone di un negozio online dedicato all’acquisto di musica a prezzi bassi, con una selezione di brani gratuiti. Necessita di iscrizione (gratuita per servizi base, niente affatto limitanti).

JewelBeat (Royalty Free). Brani a 99 centesimi (di dollaro) pensati per musica di sottofondo.

Royalty Free Music  (Creative Commons). Offre brani gratuiti e loop musicali della durata massima di 30 secondi oltre a brani completi a pagamento.

Public Domain 4 U (dominio pubblico). Raccolta di registrazioni antecedenti gli anni ’20 privi di alcun controllo su royalty e distribuzione. Contiene autentiche gemme di jazz. Per dare un suono davvero vintage ai vostri timelapse!

CC Mixter  (Creative Commons). Sito molto frequentato da artisti sperimentatori, si distingue per incoraggiare il remix dei brani.

Song Freedom (Royalty Free). Prezzi più alti, ma offre lavori di numerosi artisti indie di discreta fama.

Free Sound (Creative Commons). Sito concentrato soprattutto sull’offerta di suoni, anziché brani musicali.

Tecniche avanzate

Inquadrature in movimento

In questo eBook parlo unicamente di inquadrature fisse perché l’aggiunta di movimento della fotocamera durante la ripresa richiede tecniche e attrezzature più sofisticate (il cosiddetto motion control). Poiché avete certamente visto timelapse con inquadrature in movimento vi sarete chiesti come fare. La risposta è: con (costosa) attrezzatura apposita! Ottimi strumenti con cui iniziare sono binari per riprese video (i cosiddetti slider, ad esempio gli ottimi prodotti di Glidetrack) o sistemi più grandi come i classici dolly, montature astronomiche adattate o le eclatanti mini-gru per produzioni video, utilizzate per i timelapse più arditi ed elaborati (un vero e proprio sottogenere chiamato hyperlapse). Questa attrezzatura va accompagnata da apposita motorizzazione. Per iniziare consiglio di sfogliare gli annunci del mercatino dell’usato Astrosell, il social marketplace italiano dedicato ad astrofili e fotografi. Gli strumenti utilizzati dai professionisti del timelapse sono solitamente di tipo scatta-sposta-scatta, e sono anche i più costosi. Se invece vi affidate a montature e motorizzazioni astronomiche avrete a disposizione un movimento continuo (quindi meno adatto per fotografie a lunga posa, che potrebbero risultare mosse) ma maggiormente reperibile e meno costoso.

Esiste un’alternativa di post-produzione, non per questo meno efficace se realizzata bene, per «muovere» l’inquadratura: il cosiddetto «effetto Ken Burns» dal nome del documentarista che, pur non avendo inventato questa tecnica, l’ha utilizzata così tanto da identificarla con il suo nome. In soldoni, l’effetto consiste nello zoomare o panoramicare all’interno di un’immagine fissa mostrata in un video (il suo classico uso nei documentari biografici è quello di inquadrare foto d’epoca mentre la voce narrante parla di un personaggio, e piano piano la nostra attenzione viene catturata sul quel personaggio nella foto con un lento zoom). Con i mezzi di oggi questo effetto è applicabile a qualsiasi porzione del nostro video in ogni programma di montaggio. Se usato con misura (basta davvero poco) possiamo fingere di avere utilizzato un costosissimo sistema di motion control della fotocamera… e invece abbiamo speso due minuti davanti al computer. L’effetto può anche essere volutamente evidente: tutto dipende dal contenuto dell’immagine e dal vostro senso estetico.

Effetto miniatura

L’effetto miniatura rappresenta ormai quasi la «norma» nei timelapse evoluti che, se fatti bene, possono essere molto divertenti da guardare. Gli obiettivi utilizzati per creare questo effetto sono chiamati tilt-shift, cioè a decentramento ottico. Si tratta di obiettivi in grado di basculare e di scostare i propri elementi ottici fuori asse. Il loro «normale» utilizzo è in foto urbanistiche per evitare il fenomeno prospettico delle linee cadenti e ottenere invece immagini di palazzi rigorosamente «dritte»; sono inoltre utilizzati nella fotografia macro per avere più profondità di campo a diaframmi aperti.

Oggi invece si usano per questa mania dell’effetto miniatura! E se si usano è perché l’effetto è divertente e, pare, non ha ancora iniziato a stancare. Rovesciando l’idea alla base del decentramento otteniamo infatti sfocature marcate laddove non ne avremo mai in una fotografia standard, regalandoci l’apparenza di una fotografia macro. Se questa inquadratura la scattiamo dall’alto, l’effetto macro si riversa su cose, persone, automobili, segnali stradali e ogni oggetto della quotidianità. Il primo fotografo a concretizzare questa «rivoluzione copernicana» delle ottiche tilt-shift è stato il modenese Olivo Barberi, seppur con intenti e mezzi diversi dai nostri. La diffusione del timelapse ha incontrato questa visione è se ne è appropriata, complice il fatto che un effetto accelerato riduce a modellini qualsiasi mezzo di trasporto o persona o cosa in movimento. Se avete a disposizione un obiettivo decentrato e volete perseguire questo effetto, utilizzate quindi un tempo di scatto veloce, quanto basta per non ottenere alcun effetto di mosso nei soggetti principali, aumentando così la sensazione di miniaturizzazione.

Esiste un’alternativa «povera» anche per questo effetto ormai in ogni programma di fotoritocco. La differenza con i veri obiettivi è visibile a un occhio non allenato, se applicata con poco giudizio. Se abusata, diventa stucchevole, ma data la facilità di accesso rispetto agli obiettivi decentrati, costosi e impegnativi, questa alternativa è oggi più diffusa della tecnica originale.

Come fare in Lightroom:

In Lightroom potete utilizzare i filtri graduati: scegliete una porzione della foto e trascinate il mouse con la funzione Filtro graduato attivata. Azzerate tutti i parametri (colore del filtro, livelli di contrasto, esposizione, ecc.), quindi riducete al minimo la Nitidezza (valore −100). Se l’effetto non è sufficientemente marcato, applicate un secondo filtro sopra il primo.

imagesCogliete la differenza. Questi due buoni video pubblicati sul Web, Summer Barcelona e Riga Latvia, sono stati realizzati da fotoamatori con le due tecniche descritte: uno con veri obiettivi a decentramento ottico e uno con l’alternativa in post-produzione: li sapete distinguere?

Bulb ramping

L’ultima pratica avanzata a cui accennerò per completezza è il cosiddetto bulb ramping, una tecnica che consente di variare l’esposizione nel corso della sequenza di scatti senza compromettere la posizione della fotocamera. La posa B consente di tenere l’otturatore aperto per un tempo a nostra scelta (nelle DSLR più sofisticate parte da 1/30s). I professionisti del timelapse sono in grado di sfruttare la posa B per cambiare in modo uniforme l’esposizione nel corso di una lunga sequenza con un evidente cambio di luce. Questo controllo è però possibile solo con intervallometri di tipo avanzato oppure tramite il firmware Magic Lantern, solo per fotocamere Canon (al momento di scrivere, la disponibilità tra le fotocamere di fascia media è per 500D, 550D, 600D, 50D and 60D); il firmware è il particolare tipo di software che governa dispositivi elettronici. Questa tecnica richiede più preparazione rispetto a un normale timelapse e a un certo numero di tentativi infruttuosi prima di arrivare a calibrare con precisione gli strumenti e capire quando e in che misura intervenire manualmente.

Cenni sul montaggio video

Se siete arrivati fin qui, avete superato il confine che separa fotografia e video. Non solo eravate partiti da scatti fotografici per arrivare a consegnare un lavoro in video; ora volete anche cimentarvi nella narrazione per immagini! Dalle prime, isolate sequenze, infatti, ben presto vorrete cimentarvi con filmati più articolati, composti da più sequenze, con musica, titoli, e una vostra visione delle cose: non solo o non più un semplice esercizio tecnico. E chi vi ferma più adesso? Purtroppo, consigli, trucchi e istruzioni su come montare le vostre sequenze di timelapse occuperebbero un libro interamente dedicato. Nello spazio che rimane posso solo indicarvi brevemente i passaggi essenziali per proseguire nella vostra avventura videografica:

- Realizzate prima tutte le singole sequenze video che intendete montare insieme.

- Proseguite importando i singoli file video delle sequenze di timelapse nel vostro programma di montaggio.

- Montate le sequenze in base a ciò che volete raccontare.

- Trovate un commento musicale/sonoro e aggiungetelo al montaggio (o lavorate sul montaggio proprio in base alla musica scelta).

- Arricchite con eventuali effetti e correzioni del colore.

- Aggiungete titoli iniziali/finali.

- Esportate il video per la diffusione sul Web o altri canali (tramite il programma di montaggio da voi utilizzato oppure con un ulteriore passaggio di compressione in MPEG-4).

Anche il lato artistico della fase del montaggio è troppo ricco per essere affrontato in questo breve eBook. Quello che mi preme considerare qui è che anche partendo da zero, senza sapere nulla sull’argomento, non vi sarà troppo difficile capire se un certo raccordo funziona o non funziona; e da lì ci si potrà spingere nel capire perché non funziona, andando a studiare i timelapse dei migliori fotografi, ad esempio, ma anche tanti libri e risorse teoriche oppure (perché limitarsi?) anche tanto cinema.

Il consiglio migliore per chi inizia è di «pensare» il montaggio finale a grandi linee ancora prima di andare a fotografare. Ad esempio, se state filmando una città, avrete certamente un’idea di cosa fotografare (un certo numero di viste panoramiche; il traffico di una particolare strada; elementi architettonici di spicco; il folklore locale, eccetera): pensare in anticipo al montaggio significa ipotizzare un racconto per immagini: partendo ad esempio da un’introduzione (un punto panoramico da cui si vede tutta la città? O invece un simbolo della città, ad esempio una piazza affollata di turisti?), quindi uno svolgimento (dal panorama stringo su un dettaglio con un teleobiettivo; dalla piazza affollata passo al panorama da un campanile, eccetera) e per concludere un degno finale (un tramonto, un panorama che occupi il cielo che si fa buio, la notte che cala sulle strade vuote, eccetera).

Non è nemmeno necessario muoversi parecchio per fotografare uno stesso soggetto. Certo, il lavoro del timelapser è lungo, ma una volta conclusi gli scatti di un panorama è sufficiente passare a un obiettivo diverso e inquadrare qualche dettaglio del medesimo panorama per entrare già nel pieno di un racconto per immagini.

Qualche regola di base mutuata dal cinema potrebbe essere utile:

- Cercate continuità di movimento: nei film, se vediamo un personaggio camminare verso destra in strada in un’inquadratura, e verso sinistra nella successiva, ci fermeremmo un attimo a tentare di capire il perché di una transizione così brusca: è la stessa strada? È passato del tempo? È un tratto formale del film? È uno sbaglio? I comuni timelapse non hanno solitamente problemi di questo tipo, perché privi di personaggi e azioni di per sé narrative; nonostante questo, qualsiasi siano le inquadrature che compongono il nostro video dovremo cercare di non giustapporre azioni, movimenti o linee visive chiaramente discordanti tra loro (a meno che, naturalmente, il nostro scopo sia apertamente di rottura con gli schemi…). Il consiglio è sempre quello: pensate in anticipo al montaggio. Se sistemate la fotocamera per filmare una sequenza di nuvole che corrono da destra a sinistra e poi vi girate di 180° e filmate l’arrivo delle nuvole che ora arrivano da sinistra e vanno a destra, per forza di cose vi troverete un brusco cambiamento di direzione in fase di montaggio. Piuttosto, trovate un elemento comune nell’inquadratura (un colle, un monumento) riconoscibile sia nell’inquadratura delle nuvole che arrivano, sia in quelle delle nuvole che vanno, in modo da ottenere una sorta di «continuità» nelle immagini, in modo da non disorientare lo spettatore. Forse per ottenere un effetto simile dovrete smontare tutta l’attrezzatura, caricarla in macchina, scendere a valle e risalire un altro monte, ma è proprio questo il lavoro del timelapser!

- Raccordate le immagini «sul soggetto»: se siete davanti a un panorama, provate a scattare una sequenza con un grandangolo mettendo in evidenza un elemento ben preciso, che tratteremo come «soggetto» dell’inquadratura (ad esempio, un castello arroccato in una cornice di monti). Scattate poi una seconda sequenza con un teleobiettivo puntato sul soggetto per renderlo il centro dell’attenzione. Questo semplice passaggio è un «montaggio sull’asse», dove l’asse è quello dello sguardo che ci consente di «raccontare» il luogo che stiamo fotografando, ad esempio dal generale al particolare, come in questo caso. Ma attenzione: non è automatico che due simili inquadrature siano «montabili» tra loro. Nel cinema vige una sorta di regola generica, detta «del 20%» che contempla come montabili due inquadrature diverse per lo meno del 20% per non risultare in uno stacco «strano». Questa percentuale è solo un’indicazione di massima e può riguardare l’angolazione (treppiede nello stesso punto, inquadrando più a destra o sinistra del 20% della scena inquadrata), la focale dell’obiettivo (molto dipendente dai gusti, può trattarsi di un raddoppio di focale, ad esempio da un 24 mm a un 50 mm) o lo scostamento della fotocamera intorno al soggetto (ad esempio, se dopo avere inquadrato frontalmente una chiesa volessimo spostarci inquadrando sempre la stessa chiesa, lo faremo di 30°-35° immaginandoci sul bordo di un enorme goniometro).

- Raccordate l’azione in corso: lo abbiamo visto nei film innumerevoli volte senza accorgerci del trucco: vediamo un rapinatore entrare di corsa dalla strada in una banca sbraitando «questa è una rapina» e nell’inquadratura successiva lo vediamo da dentro il locale ripercorrere di corsa alcuni metri già percorsi prima, ma non ce ne accorgiamo: questa ripetizione è un rafforzamento visivo che ci appare naturale nel montaggio. Questo trucco è sfruttabile anche da noi timelapser. In figura 6.1 e 6.2 vedete due fotogrammi successivi relativi a una sequenza di navi in transito. Nel primo, la nave sta velocemente passando dietro ai fari del molo; nel secondo, la nave sta solo iniziando a passare dietro il faro verde in primo piano. Nel montaggio finale la posizione della nave risulta sufficientemente «fluida». Tra l’altro, non si tratta nemmeno della stessa nave… dopo avere filmato la prima sequenza, infatti, mi sono recato sotto il faro per riprendere la partenza del traghetto successivo, identico al primo. La magia del cinema.

Figura 6.1: la nave sta passando dietro ai fari del molo.

Figura 6.2: nel fotogramma successivo la nave è ancora ai margini del fotogramma. Il faro verde è l’elemento in comune che coglie l’attenzione dello spettatore.

- Raccordate sul «punto di vista». Questa pratica è onnipresente nel cinema. La protagonista si volta, guarda lontano, sorride: stacco sul protagonista maschile che compare nel vano della porta: ma allora lo ama ed è tornato da lei! Eccetera. Nella seconda inquadratura vediamo ciò che la protagonista sta guardando. È la magia del montaggio. Perché funzioni è importante che la direzione dello sguardo sia conforme a ciò che poi inquadreremo, e che le relazioni spaziali siano rispettate. Nel cinema funziona. Nei timelapse è più difficile perché non abbiamo a che fare con persone, sguardi, e relazioni interpersonali… non di solito, per lo meno. La chiave di questo trucco è infatti nelle relazioni (spaziali, temporali o personali che siano): possiamo provare a inquadrare, ad esempio, gruppi di turisti che arrivano, fotografano il molo e se ne vanno a pazza velocità timelapsata, poi inquadrare le navi che arrivano e partono dal porto. Pensate alla stessa cosa con i viaggiatori in una stazione, con i treni che partono e arrivano, o gli spettatori di una partita… Le possibilità sono infinite!

Conclusioni

Non ci resta che provare...

Dopo questa incursione nelle tecniche di base della fotografia timelapse non mi resta altro che sperare di avervi invogliato a provare. Come sempre accade in fotografia, abbiamo visto un gran numero di tecniche e di tecnologie per realizzare una nostra originale visione delle cose. Non tutto è necessario, non tutto lo è subito, e fare molto con poco è di per sé un’arte, con il dettaglio non secondario di non esaurire il conto corrente.

Dove proseguire da qui?

In italiano esiste il portale Time Lapse Italia, ricco di consigli, tutorial di base e un forum.

Gran parte delle informazioni sul Web però è in inglese. Se ve la cavate, vi segnalo:

Timelapse.org: eccellente portale che contiene tutorial, raccolte, link e forum.

Forum sul timelapse ospitato da Philip Bloom, una delle figure più note tra i videografi in erba grazie alla sua opera di diffusione delle tecniche di DSLR video.

Su vimeo.com invece avrete a disposizione migliaia di video di timelapse di ogni tipo e qualità. Potete iniziare esplorando il gruppo semplicemente chiamato timelapse che vanta oltre 15.000 video oppure il canale Slo-Mo and Timelapse.

Buon divertimento!

Checklist sul campo

1.Verificate la stabilità della fotocamera.

2.Impostate il modo preferito sulla fotocamera (es. il modo manuale o il modo personalizzato da voi). Questo modo potrebbe includere, tra le altre cose, le impostazioni dei punti 3-6 qui sotto.

3.Assicuratevi che il bilanciamento del bianco NON sia automatico.

4.Assicuratevi che l’impostazione ISO NON sia automatica.

5.Verificate che la qualità delle foto e le dimensioni siano adatte al vostro caso attuale (RAW, JPEG, Fine, Large, ecc…).

6.Verificate che non sia attivo alcun sistema di stabilizzazione dell’immagine (sulla fotocamera o sull’obiettivo).

7.Componente l’inquadratura.

8.Mettete a fuoco sfruttando tutti gli strumenti della fotocamera (autofocus, Live View) dopo di che fermate l’obiettivo in posizione di messa a fuoco manuale, se possibile (secondo i modelli, lo dovrete fare sia sul corpo della fotocamera che sull’obiettivo).

9.Determinate l’apertura più adatta all’occasione. Tenete presente tutti gli accorgimenti necessari a evitare lo sfarfallio.

10.Determinate la velocità dell’otturatore. Tenete presente tutti gli accorgimenti necessari a evitare lo sfarfallio (consigliato non spingersi a tempi più veloci di 1/100s) e valutate eventuali effetti di mosso di elementi in moto (uccelli, veicoli, rami scossi dal vento, ecc.). Se necessario, valutate l’aggiunta di un filtro ND.

11.Eseguite qualche foto di prova.

12.Impostate l’intervallometro. Ad esempio su 5 secondi, risposta esatta a questo test (formula: 10min x 60s / 5s x 24fps).

13.Se siete pronti a partire, avviate una breve sequenza di prova di una dozzina di scatti. Visionate la sequenza passandola rapidamente in rassegna.

14.Aggiustate i parametri secondo necessità.

15.Formattate la scheda ora (se partivate da una scheda vuota) oppure scattate una foto «via libera» oscurando con la mano l’obiettivo.

16.Avviate la sequenza.

17.Vigilate su tutto ciò che accade intorno a voi e nella scena inquadrata.

18.Godetevi il momento! Da adesso in poi è tutta pazienza…